Demiurgeek

Super 8 vs Attack the block

2011-08-07T17:37:00.006+02:00

En ce moment sont présents sur les écrans deux films similaires mais au résultat et la qualité différents : Super 8 de J.J. Abrams et Attack the Block de Joe Cornish. Ayant beaucoup travaillé pour la TV, tous deux sont des touche-à-tout : Abrams a écrit Armageddon, réalisé MI:3 et le reboot de Star Trek, produit Cloverfield, joué dans Six degrés de séparation tandis que Joe Cornish a créé une émission de parodie de la pop culture avec son comparse Adam Buxton : Adam and Joe, avant de faire quelques apparitions dans les films de son pote Edgar Wright, Hot Fuzz et Shaun of the Dead, puis de co-écrire avec ce dernier Les aventures de Tintin pour Spielberg & Jackson après le départ de Steven Moffat. Mais c'est le créateur de Lost qui gagne ses galons auprès de la presse et du publique. Faut dire que le gars sait y faire niveau marketing : bandes-annonces aguicheuses, concepts intriguants, campagnes virales etc. Bref, deux gars issus du même moule geek voulant rendre hommage à tout ce qu'ils ont pu voir dans leur jeunesse puis amenés à travailler avec Spielberg. Si la volonté de faire des films-références est louable, le résultat est sans appel : Super 8 est une grosse déception tandis que Attack the Block défouraille à tous les niveaux.

Tout le monde le dit (et ne dit même que ça), Super 8 rend hommage à notre cinéma de jeunesse : E.T., Les Goonies, toussa. Il est vrai que ses thématiques sont parfois calquées sont ces péloches des années 80 (de manière un peu trop fonctionnelle d'ailleurs). Mais cela en fait-il un aussi bon film ? Non. Alors que Michael Bay s'était épanoui sous la houlette de Tonton Steven, Abrams garde ses défauts malgré la présence du réalisateur d'Indiana Jones : photo baveuse, gros plans composant 80% du film, personnages-fonction en pagaille, etc. Et surtout, il a du mal à imposer un rythme idéal tant on s'ennuie par moment. Les passages un peu plus explosifs, que l'on était en droit d'attendre, sont même extrêmement décevants : l'explosion du train et le passage souterrain en sont deux exemples. Chose curieuse, il ne parle jamais de cette époque (tout en nous enfonçant des détails dans le crâne pour bien faire comprendre que ça se passe pas aujourd'hui) alors qu'un tel sujet méritait réflexion et recul sur le cinéma d'alors. Mais non... S'il n'est pas mauvais (l'interprétation et l'honnêteté de l'ensemble rattrapent le coup), Super 8 est une grosse déception. Et c'est du côté UK qu'il faudra se tourner pour sa dose de "jeunes contre des aliens".

Attack the Block se déroule dans un quartier craignos de Londres, quartier où règnent des bandes attaquant et volant les passants. L'une de ces bandes se retrouve face à une invasion extra-terrestre le temps d'une nuit mouvementée. Avec ce film, Joe Cornish joue lui aussi dans la cour de l'hommage mais de façon plus intelligente. A l'inverse d'un Abrams cité plus haut, il ne reste pas coincé dans les années 80 et préfère vivre avec son temps pour réaliser le meilleur film possible, de la première séquence très The Thing jusqu'au "Ninja !" final. Les références sont plus implicites et ressorties sans esbroufe (E.T., Gremlins etc.). Visuellement et techniquement impeccable (il suffit de voir la bannière de l'article pour comparer la photo de Super 8 et Attack the Block), iconique, fun, violent et flippant, Attack the Block a tout pour devenir un pop corn movie culte du samedi soir.

Avant de conclure cette petite chronique, arrêtons-nous sur quatre autres métrages estampillés "hommage" : Boulevard de la mort (Tarantino), Planète terreur (Rodriguez), Matinee (Dante) et Evil Ed (Anders Jacobsson) qui représentent assez bien ce qui a été dit au dessus.
Le Tarantino raconte comment deux bandes de filles font face à un tueur en série. La première se fait dégommer rapidement et dans la douleur tandis que l'autre, plusieurs mois après, le pourchasse et lui rend la monnaie de sa pièce. La première partie est filmée comme un film des années 70 et suit ces femmes victimes tandis que la seconde a une photo et une bande son très différentes et suit des femmes qui ne se laissent pas faire. Vous voyez où il veut en venir ? Visuellement et thématiquement, Tarantino résume très bien 3 décennies d'évolution du cinéma tout en racontant son histoire.
De même avec Matinee qui parle des années 60 (soit la jeunesse du réalisateur). Mais là où Abrams ne justifie pas vraiment sa présence en 1979, Dante explicite son désir de faire vivre aux spectateurs l'ambiance et la culture de l'époque qui n'existaient plus au moment où le film était réalisé.
Rodriguez a réalisé Planète Terreur pour le dyptique Grindhouse (avec Boulevard de la mort). Et bien que le film soit ultra fun (faut avouer qu'on se marre bien devant), rien ne justifie cet "hommage" à l'écran : les défauts de pellicule sont rajoutés n'importe quand, un morceau du film manque (sciemment), les thématiques sont très 70's. Encore une fois, c'est très fun mais n'a pas l'intelligence des films précités.
Enfin, Evil Ed (notez le titre racoleur et lourdingue) raconte comment un projectionniste devient taré à force de voir des films d'horreur. De cette entrée en la matière ironique et prometteuse, le réalisateur s'engouffre dans un marasme de références ciné "qu'il faut citer parce que c'est trop la classe". A force, le spectateur est épuisé.

Le film-hommage est donc quelque chose d'assez complexe : les créateurs ne doivent pas tomber dans le piège de la citation à outrance et doivent être plus subtils. Sur ce tableau, Attack the Block est une réussite. Et niveau "Invasion alien", il enfonce Super 8.

La stratégie Ender [Le cycle d'Ender 1]

2011-06-21T17:05:00.007+02:00

Il y a cinquante ans, la flotte terrienne a réussi à repousser l’attaque des Doryphores. Aujourd’hui pourtant, une nouvelle invasion menace. Un programme militaire pour la formation des futurs commandants de la flotte est en cours, mais chaque heure compte. Parmi les élèves-officiers – tous des surdoués –, Andrew Wiggin, dit Ender, focalise toutes les attentions. Apppelé à devenir un puissant stratège, il est le jouet des manipulations de ses supérieurs depuis sa naissance… et cela le dépasse. Car c’est entre ses mains que repose le sort de l’humanité. Lui qui n’a que six ans. (1)

Grosse découverte, que je souhaite partager, que ce Ender's game (le titre original) de l'écrivain Orson Scott Card. Roman de SF passionnant, vainqueur de divers prix dans les années 80, il est intéressant à plusieurs niveaux.

Monomythe

Ce qui frappe le plus à la lecture de l'oeuvre, c'est à quel point l'auteur a repris (intentionnellement ?) les principes théoriques du mythographe Joseph Campbell dont le célèbre Monomythe, déja évoqué ici. Pour rappel, le Monomythe est un motif que l'on retrouve dans de nombreux récits dès l'aube des civilisations : de la naissance au meurtre du père en passant par le passage de la caverne, les récits adoptent souvent la même structure dans une histoire faisant traverser à son Héros de nombreuses épreuves. Et Ender est l'un de ces Héros.

En effet, tout le récit est structuré de façon à donner une image que l'on pourrait qualifier de pervertie de cette architecture. Ainsi, le récit débute avec l'impression qu'a Ender de ne pas être à sa place. De son vrai nom Andrew, il est le dernier de sa fratrie dans un monde où le nombre d'enfants autorisés est de deux maximum (d'où le surnom Ender... le dernier, qui accomplit une ultime tâche, qui termine une guerre... on ne peut pas faire plus clair). On lui donne alors le choix de partir. Il accepte et subit alors tout un tas d'épreuves, accompagné de compagnons de route, recevant même un temps l'apprentissage d'un être quasi surnaturel ayant défié le temps. Pourquoi "quasi pervertie" ? Pour la simple et bonne raison qu'alors que le récit d'un Héros est composé d'épreuves devant le mener à l'accomplissement de son être, à sa renaissance mythologique, les tâches à accomplir ici ne visent qu'à en faire une bête de guerre, un commandant belliqueux et fin stratège, destiné à accomplir une quête dont il ne veut pas. Peut-on dévier un héros de sa course ? Au final, qu'est-ce qu'un Héros ? Une chose à laquelle aurait du répondre Georges Lucas et Gary Kurtz dans leur vision générale de la prélogie Star Wars. Et ouais mais yen a un qu'a pété les plombs 20 ans avant...

Note supplémentaire : dans une mise en abîme maline, Card fait faire à son personnage une seconde quête, plus proche de l'imagerie populaire qu'on peut avoir du monomythe, à base de géants, miroir, château etc..

Mormon

Une des particularités de l'auteur est d'être un mormon. Evidemment un douloureux souvenir pointe le bout de son nez à cette évocation. Sans être aussi évident que dans le truc de Meyer, les références Mormones sont distillées de temps en temps dans l'oeuvre. Outre les allusions christiques à la fin du livre, et apparemment encore plus développées dans les suites, l'amour frère-soeur est très présent, surtout vers la fin du roman. Encore plus ambigu, la vision de l'homosexualité. S'il Card a été très clair dans ses déclarations vis-à-vis des homosexuels, le ressenti d'Ender face à une amitié très forte tend à penser que Card laisse quelques pulsions s'étaler dans le roman. Des mots tendres entre deux garçons à une scène de bagarre sous la douche (!), certains passages sont tendancieux... Nous passerons sur sa légère homophobie, des juifs imposteurs aux français auto-satisfaits... Ce n'est qu'une facette minime d'un roman qui est intéressant à d'autres niveaux.

Hard SF ?

Ecrivain de SF, Card n'hésite pas à décrire un environnement assez précis où se croisent vaisseaux spatiaux, gravité zéro, problème de temporalité, vitesse lumière, aliens, batailles spatiales ... Les détails se multiplient au fur et à mesure du roman, sans aller jusqu'à la rigueur scientifique, l'auteur colle au plus près de la crédibilité. Un vrai plaisir pour la lecture en somme. Je vous laisse avec ce comic qui colle à l'actualité, Ender's game étant régulièrement sujet à un projet d'adaptation ciné. (2)

(1) : Résumé de la quatrième de couverture - J'ai lu 3781
(2) : Comic de 2004 - http://www.penny-arcade.com/comic/2004/02/18/

Des fleurs pour Algernon

2011-05-20T17:51:00.004+02:00

Ouais je sais... trois mois. Trois mois sans message, post ou autre critique. Du coup ma promesse d'écrire un poil plus souvent ressemble à une parole politicienne. Enfin bref. Si je me tire de la léthargie, c'est pour parler d'une roman dévoré en trois jours (ou est-ce lui qui m'a dévoré ?) : Des fleurs pour Algernon, de Daniel Keyes. La Algernon du titre est une souris de laboratoire dont l'intelligence augmente considérablement après une opération. Bientôt, Charlie Gordon, un simple d'esprit, subit la même opération dans l'espoir d'être "un télijen". Le résultat dépassera ses espoirs les plus fous. Mais comment s'amorcera son contact avec une société bien différente de celle qu'il percevait ?

Une société différente de celle qu'on croyait voir... Tout ceci rappelle fortement la caverne de Platon. Cela tombe bien, puisque Keyes lui-même y fait référence à plusieurs moments, jusqu'à une citation du philosophe grec dans les dernières pages. Charlie Gordon, celui qui a toujours cru avoir des amis découvre un monde qui ne veut (voulait ?) pas de lui, où les personnalités et sa mémoire se découvrent au fur et à mesure que son intelligence augmente. De plus en plus seul, il comprend qu'il est toujours aussi éloigné de la majeure partie de la population (mais à l'opposé) et se demande si être déficient n'est pas une meilleure solution.

La naïveté contre la lucidité. Un des choix cornéliens posés par Keyes qui truffe son livre de questions existentielles sur les rapports entre humains et l'intelligence des individus. L'humanité doit-elle chercher à tout prix à augmenter ses facultés et découvrir ce qui devrait rester un savoir interdit ? Qu'est-ce-que la déficience mentale ? Qu'est-ce-que la normalité ? Sans y répondre mais en confrontant constamment Charlie à ces dilemmes, l'auteur parle à chacun de nous. Sans oublier que le sort de Charlie relève tout simplement de la vie elle-même, de la naissance et la recherche de l'amour à l'accomplissement en tant qu'Homme (et la recherche et la compréhension de troubles dus aux évènements antérieurs) jusqu'à la sénilité obligatoire.

Un grand chef-d'oeuvre de la littérature. Point barre.

Ce qu'ils en pensaient à l'époque : La guerre des étoiles

2011-02-28T19:06:00.009+01:00

Une chose est sûre, il y a des films qui sont rentrés dans l'inconscient collectif. Des longs-métrages que connaissent par cœur aussi bien des américains cinquantenaires que des adolescents asiatiques. Des phénomènes cinématographiques, et révolutionnaires, qui sont devenus des icônes indétrônables, dont on retrouve des références à peu près dans tous les domaines, aussi bien culturels que personnels. Des œuvres qui marquent à un point tel qu'ils sont devenus, en quelques sorte, une partie de nous-même.

Logiquement, après ce petit speech d'entrée, la première référence populaire qui vous saute à l'esprit devrait être Star Wars, la saga de Science-Fiction initiée par George Lucas (ndYann : "c'estpasgeorgeslucasc'estgarykurtznanmaisoh") il y a déjà 34 ans.

Mais avant les séries animées en CGI tout moches, les posters, les jeux vidéos, les jouets (z'avez vu, il y a des sabres lasers dans les Happy Meal en ce moment !) et Starcrash, il y avait quoi ? Presque rien, si ce n'est un grand film d'aventure spatial, promotionné (1) dans tous les pays où il a débarqué en salles. Ne serait-il pas amusant de voir ce que pensait alors la presse française d'une telle production Hollywoodienne ?

Il serait aisé d'imaginer que le film a déplu à ces critiques purs et durs qui vantaient alors à l'époque les mérites des cinéastes de drames sociaux et autres œuvres d'une grande esthétique ?
Ce serait se tromper, comme en témoigne les extraits du n°10 de Première (Octobre 1977) ci-dessous.

Bon, je l'admets, les avis de Henri Béhar et Jean-Pierre Frimbois restent relativement distants d'un point de vue critique, mais tous soulignent le même fait : La Guerre des Etoiles les a "enchanté", tel un enfant qui découvre quelque chose à la fois de beau et mystérieux. Devenu transgénérationnel, Star Wars est devenu un héritage : combien d'enfants découvrent Star Wars par l'intermédiaire de leurs parents ou grands frères ? Moi-même je fais partie de ceux qui l'ont découvert en VHS enregistrées lors de leurs premières grandes diffusions hertziennes. Et j'ai aussi le plaisir d'avoir fait découvrir le film au petit frère d'un ami, devenu complètement fan de l'univers galactique de Lucas. Sans lui montrer les versions remasterisées et la prélogie, que l'on évitera de mentionner aujourd'hui.

Mais continuons notre recherche sur les avis de l'époque. Voici une vidéo ressurgie il y a quelques temps déjà : http://www.dailymotion.com/video/x8n7gx_le-masque-et-la-plume-star-wars_shortfilms . Le sentiment partagé par l'équipe du magasine trouve un écho dans cet extrait de l'émission radiophonique Le Masque et La Plume où, sous les commentaires acerbes et désespérés de François Régis Bastide et Bernard Deutsch, Jean-Louis Bory et Michel Perez essayent de défendre ce qui s'apparente comme un coup de coeur coupable. Un film techniquement impressionnant mais apparemment douteux au niveau de l'histoire. Des arguments bien connus et approuvés par Lucas lui-même et d'autres analystes, tel que l'évocation des mythes chevaleresques et de la référence évidente au fascisme connu dans le Monde entier quelques décennies plus tôt.

On y voit ce qu'on veut, après tout. Bory y voit un produit fait pour la jeune culture US de l'époque, un "space trip" sous acide réjouissant mais au fond plus ou moins discutable. C'est pas faux : 2001, L'Odyssée de l'Espace a été objet de séances-trips avant également. (2)

Mais résumer le film à cela aujourd'hui, c'est absurde. Mais pourtant, loin d'être faux. Il faut garder en esprit qu'il y a eu un avant-Star Wars et un après-Star Wars, et d'entendre ou lire ces remarques prêtent à sourire, tant on est habitués à la certaine niaiserie du monde des Jedi. Avant d'être un monument phénoménal du Cinéma, La Guerre des Etoiles, c'était un grand film. Avec des lacunes plus tard récupérées par la profondeur des opus suivants, (ndY : "Jar Jar Binks, il est profond ?") mais juste des qualités techniques révolutionnaires pour l'époque, un grand "opéra/son et lumières" sur grand écran, avec une galerie de personnages géniaux. Mais imaginez un peu si La Guerre des Étoiles n'avait jamais connu de suite... Pensez-y comme si il s'agissait d'un seul film, certes grandiose, mais unique. Difficile, n'est-ce pas ? Eh bien jusqu'en 1980, c'était le cas.

Ca ne vous rappelle pas quelque chose ? Remontons deux ans en arrière, à la fin de l'année, avec l'arrivée d'un certain Avatar. N'y recroisons pas les mêmes éléments de certains débats ? La critique de l'histoire héroïque trop bâteau - et je ne parle pas de Titanic - pour qu'on se prenne au jeu, la dénonciation d'un avenir politiquement et économiquement dangereux, et la perfection de l'aspect technique du métrage de James Cameron ? Oui, c'est exactement cela, sauf que l'on ne trouve pas un duo de robots comiques (qui semblent étrangement être l'élément le plus apprécié de La Guerre des Etoiles dans les avis de l'époque). (3)

Ainsi, on verra bien comment évoluera le chef d'œuvre de James Cameron dans l'inconscient collectif. Peut-être plus risqué, puisque je doute fort que la 3D, avec lequel le film est définitivement indissociable, parviendra à suivre la carrière du film au fil des décennies... Mais il y a fort à parier qu'avec les suites attendues du métrage, l'expérience de La Guerre des Etoiles se répète. Et on rira bien, de façon nostalgique, des premiers avis de la presse de notre époque.

Rendez-vous très prochainement où je tenterai d'évoquer cette fois-ci, deux cinéastes marquants du cinéma de genre, l'un étant tombé dans l'oubli et l'injuste dénigrement, l'autre dans l'acclamation de plus en plus forte : John Carpenter et David Cronenberg.

Le petit truc en plus (par Yann)

Si je ne suis pas tout à fait d'accord avec certains propos ci-dessus (notamment la partie sur les space trips), il faut avouer que Romain a mis le doigt sur un élément intéressant. Star Wars et Avatar auront subis le même mélange amour/haine de la part des critiques et du public : un accueil délirant puis un bashing incompréhensible. Sans oublier le fameux lien avec l'Histoire. Quand on sait que l'histoire datait de 15 ans à l'époque de la sortie du film, on rigole doucement Dans 20 ans, Avatar sera très certainement au même niveau que la saga intergalactique de Georges Lucas Gary Kurtz. Prenons-nous dès maintenant à rêver de la prochaine génération de cinéastes, âgés de 5 ans actuellement, et qui se sont pris une telle grosse baffe devant les aventures de Jake Sully qu'ils ont encore les joues toute rouge.
Pour en revenir à La guerre des étoiles, j'ai également le souvenir d'un critique (vu dans L'écran Fantastique, mais impossible de remettre la main dessus) qui avait écrit quelque chose du genre "J'imagine mal les fans de la saga [nous sommes à la sortie de l'épisode V] faire des réunions spéciales dans 20 ans". S'il avait su....
Enfin, citons pour les plus curieux l'article de Rafik Djoumi sur le monomythe. Ca ne servirait à rien d'écrire sur le sujet, il le fait déjà très bien.

(1) http://en.wikipedia.org/wiki/Star_Wars_Episode_IV:_A_New_Hope#Releases
A noter que Lucas perdra complètement les pédales par la suite, gargarisé par les ventes de produit dérivé. Naquit ainsi la prélogie.

(2) L'expérience du film de Kubrick associé au LSD a été effectuée plusieurs fois durant les années 70, surtout grâce à la mise en scène de sa partie finale, considérée comme l'expérience visuelle la plus proche d'un véritable trip. http://www.jahsonic.com/DrugsMovies.html Même récemment, vous avez dû entendre parler d'un type qui, lors d'une ressortie sur grand écran, à interrompu la séance à cause d'un très violent bad trip. http://blogs.villagevoice.com/runninscared/2010/09/2001_a_space_od.php

(3) Voir les références à Laurel et Hardy dans les textes scannés et la vidéo du Masque et de la Plume, où certains journalistes semblent ne parler que des robots, quitte à en faire les personnages principaux à la place de Luke Skywalker. On pourrait préciser que la France a toujours été sensible à l'humour des personnages de film, de Laurel et Hardy à Jerry Lewis, injustement boudé dans son pays d'origine.

Ben Bova et les planètes du Grand Tour

2011-02-22T15:49:00.013+01:00

Né en 1932 à Philadelphie, Ben Bova commence sa carrière en tant que journaliste pour le New York Times puis le Wall Street Journal avant de rejoindre le programme Wanguard de la NASA, premier programme de satellites artificiels aux USA, où il travaille dans le domaine des lasers. Suite à la mort de John W. Campbell (auteur, entre autres, de Who Goes There? nouvelle ayant inspiré le film La Chose d'un autre monde) il devient éditeur du magasine Analog puis, au début des années 80, d'Omni. Il remporte le Prix Hugo de Professional Editor de 1973 à 1977 puis en 1979. Son travail à la NASA lui permet d'apporter un véritable bagage scientifique à ses écrits et il prédit la course à la lune des années 60, la réalité virtuelle, le clonage humain, les livres électroniques... Il a d'ailleurs travaillé comme consultant technique auprès de réalisateurs comme George Lucas ou Gene Roddenberry.

Ben Bova en 1974

Il est l'auteur de 33 essais, 64 romans et 12 anthologies et plusieurs de ses bouquins sont des best-sellers aux États-Unis. Il est surtout connu pour sa série du Grand Tour relatant l'exploration de diverses planètes, lunes ou astéroïdes par la NASA ou des organismes privés. La série démarre en 1992 avec Mars et comporte aujourd'hui 15 tomes (9 dans la série Les planètes du Grand Tour, 5 dans The Asteroïde Wars et un bouquin intitulé Tales of the Grand Tour).

Étrangement, seuls quelques uns des romans de Ben Bova ont été traduits chez nous, dont trois de la série Grand Tour: Mars, Retour sur Mars et Vénus. Deux tomes consacrés à la colonisation de la Lune, publiés entre Mars et Retour sur Mars, ont été purement et simplement zappés, bien que Vénus y fasse référence lors de quelques passages...

Gros pavés SF, Mars et Retour sur Mars (environ 700 pages chacun en poche) se dévorent toutefois à vitesse grand V, Ben Bova ayant un véritable don pour rendre ses romans ultra accrocheurs. Situé aux alentours de 2020, Mars relate la première mission spatiale à destination de la planète rouge. Si Ben Bova parvient à rendre la planète absolument fascinante et son exploration très réaliste, il centre avant tout le récit sur les personnages et les répercutions politiques de l'exploration. En scaphandre au milieu d'un désert rougeâtre, à la merci d'une tempête de sable dévastatrice ou d'un problème électrique, les personnages doivent également gérer la récupération politique de l'événement sur Terre et une simple phrase malencontreusement prononcée par Jamie, le personnage principal, lors de la retransmission en direct de l'atterrissage lui vaudra toutes les emmerdes du monde pendant quasiment toute la durée de la mission.

Tous de nationalités différentes, les personnages sont assez hauts en couleur et génèrent également divers conflits liés à des problèmes d'égo et/ou d'intérêt, la situation étant particulièrement difficile pour Jamie puisqu'il s'est retrouvé sélectionné pour la mission au dernier moment, suite à un soucis de santé du géologue initialement désigné.

Ben Bova parvient ainsi a rendre son récit haletant d'un bout à l'autre, un problème en remplaçant un autre à longueur de chapitre, qu'il vienne du matériel, de la planète en elle même ou des personnages, et le côté scientifique, assez poussé sans jamais tomber dans la description technique, rend l'ensemble également assez passionnant.

Dans Retour sur Mars, on prend les mêmes et on recommence ! Cette fois Jamie se retrouve à la tête de la mission et doit gérer tout l'aspect relationnel ainsi que les divers conflits au sein de l'équipage. La mission étant, cette fois ci, financée par des capitaux privés, l'aspect commercial remplace les enjeux politiques du premier tome, obligeant les personnages à réaliser des visites de Mars en réalité virtuelle ou à récupérer des véhicules de la mission précédente afin de les mettre aux enchères, tout cela au détriment de la recherche scientifique...

Mars et Retour sur Mars pourront sans doute plaire aux lecteurs n'étant généralement pas amateurs de SF, l'ensemble ressemblant surtout à du roman d'aventure bigger than life.

Un troisième volet, Mars'Life est sorti aux USA en 2008 mais, comme le reste de la saga, n'a pas (encore ?) été traduit chez nous.

Vénus, quant à lui, est assez différent. Plus court que les romans précédents ("seulement" 470 pages), il se situe dans un futur un peu plus avancé, aux alentours de 2050 et Ben Bova se permet de prendre un peu plus de liberté avec l'aspect "réaliste" de son histoire. Dans le monde de Vénus, l'humanité à quasiment triomphé de la mort et de la vieillesse et la plupart des maladies fatales sont facilement soignables. Le milliardaire Vam Humphries décide d'offrir une fortune à quiconque sera assez fou pour aller récupérer les restes de son fils, mort lors d'une mission sur Vénus ayant mal tournée. A la surprise générale, c'est son second fils, assez frêle et plutôt tourné vers les arts, qui décide de relever le défi... Mais il n'est pas seul dans la compétition !

Alors que Mars et sa suite relevaient du récit d'aventure, les astronautes découvrant les territoires encore inexplorés de la planète rouge, Vénus, lui, tient plus du "20.000 lieues sous les mers" dans l'espace. En effet, l'atmosphère de Vénus empêche quiconque de sortir du vaisseau et l'équipage se retrouve agglutiné dans un sous-marin s'enfonçant petit à petit dans l'atmosphère ultra dense et ultra chaude de Vénus. Bonjours le stress !

Comme toujours, le récit est surtout centré sur les hommes et les femmes participants à l'expédition, mais exit les considérations politiques ou commerciales, on se retrouve ici en plein milieu de conflits personnels, de vengeance et autres mutineries... L'aspect scientifique du bouquin s'efface plus ou moins selon les événements et certains personnages sont franchement têtes à claque par moments, tout cela rendant le livre parfois un peu moins prenant que les romans précédents, mais l'écriture de Ben Bova est toujours aussi fluide et on voit à peine passer les 470 pages que durent Vénus !

Bref, j'invite donc tous les amateurs de SF, et les autres, à découvrir Ben Bova, vous ne devriez pas être déçus du voyage !

Black Swan vs Paperhouse

2011-02-18T12:49:00.005+01:00

A l'heure où Darren Aronofsky est de plus en plus sacralisé par les critiques et le public grâce aux sorties de The Wrestler et de ce Black Swan, il est bon de rappeler l'existence d'un film de 1988 réalisé par Bernard "Candyman" Rose au début de sa carrière. S'il n'est pas utile de rappeler le synopsis du dernier film du réalisateur de The Fountain, il convient de présenter ce Paperhouse peu connu :

Agée de onze ans, la petite Anna verra le jour de son anniversaire tourner à l’hécatombe suite à une punition qu’elle se verra infliger par sa maîtresse. Ne supportant pas son sort, elle fait semblant de s’évanouir et plonge dans ses rêves ou elle se retrouve face à une curieuse maisonnette, qu’elle venait de dessiner sur son cahier. Chaque modification sur le dessin a des répercutions sur les rêves de Anna, des rêves très réels par ailleurs, peut-être trop…(1)

Pourquoi rapprocher ces deux films si différents ? Malgré deux histoires uniques, ces deux films traitent d'une thématique similaire. A la lisière du fantastique, ce sont deux contes ayant pour sujet sous-jacent la relation entre réalité et imaginaire, entre psychologie et imagination, le tout avec une symbolique forte. Mais l'approche qu'ont les réalisateurs est opposée.

Le premier, Darren Aronofsky pour Black Swan, opte pour une histoire sombre montrant la folie progressive de son personnage (Natalie Portman) face à l'invasion de sa part sombre, symbolisée par le personnage interprété par Mila Kunis. Une histoire traversée par de nombreuses allégories, qui sont ses principales qualités mais également ses plus fortes limites. En effet, à l'instar de The Wrestler, le réalisateur de Pi et de Requiem for a Dream, tombe dans plusieurs travers, dont le plus gros est de tout rabâcher à son spectateur au lieu de continuer simplement et humblement son histoire. Du coup, on a l'impression pendant une bonne majorité du métrage que les personnages ne sont là que pour faire évoluer ces images symboliques (le cuni par Mila Kunis -il fallait que je la place- fausse scène branchouille et hot) là où on aurait attendu plus de subtilité (la scène en boîte jouant sur le contraste techno/classique par exemple). Erreur impardonnable, il choisit son camp entre fantastique et psychologique alors qu'il jouait sur les deux tableaux de façon cohérente pendant les 3/4 du film... Aronofsky délaisse un peu son histoire pour sa symbolique, soit l'inverse totale d'un Bernard Rose pour Paperhouse.

Déjà, il faut noter que Paperhouse est beau. Très beau même. Traversé par des scènes magnifiques de rêve (et de cauchemar), le film est un sacré morceau visuel et mérite d'être vu rien que pour ces passages. Mais Rose et son scénariste Matthew "Young Indiana Jones" Jacobs, qui ont compris le matériau auquel ils s'attaquaient, offre un film sur la confrontation entre rêve et réalité, pouvant rapprocher deux êtres mais également les éloigner, l'un et l'autre s'imbriquant parfaitement jusqu'à influer l'un sur l'autre. Jusqu'à un final triste, Bernard Rose tient bon et ne tombe jamais dans la symbolique facile, soit l'inverse de Black Swan.

Paperhouse est disponible pour un prix très attractif ici (attention pas de sous-titres ou de VF).

(1) : source

The invention of lying

2011-02-02T12:46:00.005+01:00

Fort d'un sujet high-concept, The invention of lying promettait beaucoup, notamment par la présence de Ricky Gervais en tant que co-scénariste et co-réalisateur. Ricky Gervais ou le politiquement incorrect personnifié, créateur de The office et surtout de Extras. Ricky Gervais dont la performance aux derniers Golden Globes awards a fait beaucoup de bruit. Ricky Gervais qui pouvait transformer un sujet en or en film en or. Sauf qu'en l'occurrence, le résultat final est décevant.
Mark Bellison est scénariste dans un monde où dire un mensonge est inconcevable, où personne n'y a jamais pensé. Viré, fauché, seul, il a l'idée lumineuse de dire un mensonge afin d'éponger une dette, ce qui va le rendre célèbre mais lui attirer pas mal d'ennuis.

Les trente premières minutes nous présentent donc ce monde alternatif où le mensonge n'a pas lieu d'être. Si le film est certes amusant au départ, le concept devient assez ennuyant au bout de quelques minutes, Ricky Gervais forçant inutilement le trait pour illustrer son concept. Passé cette première partie, le métrage entre dans une phase déjà plus intéressante : dans un monde sans mensonge, on se ferait sacrément chier. Mais la dernière demi-heure rejoint le genre de la comédie romantique remplie de clichés, déclarations d'amour et mariage avec un goujat compris. Le film de Gervais déçoit donc, et ce malgré les caméos (et quels caméos ! Merchant & Williamson, Michael Caine, Edward Norton, etc.) et le message qui transparait en filigrane : la religion est une œuvre de pure fiction dictée par un scénariste, fiction nécessaire pour toucher les gens.

Œuvre donc décevante virant à la comédie romantique dans son final, jamais piquante, peu politiquement incorrecte, et surtout pas très drôle. Ricky, tu peux mieux faire (et pas aux USA !).

4/10

Au-delà

2011-01-27T22:03:00.004+01:00

La carrière de Clint Eastwood a quelque chose de fascinant. Associé au personnage de l’Homme sans nom, puis taxé de fascisme avec son personnage de Harry Callahan, il devint un réalisateur/acteur de films purement populaires (Doux, dur et dingue ; Pale Rider ; Firefox) avant d’entrer dans une période crépusculaire (Impitoyable ; Mystic River…) où il atteint une nouvelle génération en plus d’être respecté par les journalistes et le monde du cinéma. Après avoir culminé avec Gran Torino (magnifique synthèse de toute sa carrière), il obtient une douche froide avec les sorties coup sur coup d’Invictus et de ce Au-delà (Hereafter). S’il est vrai que la mièvrerie du film sur Nelson Mandela était déroutante, son dernier essai est pourtant fascinant et maitrisé dans l’écriture et le montage.

Hereafter suit la vie de trois personnages touchés par la mort de plusieurs façons : une journaliste française ayant vécu une expérience de mort imminente pendant le tsunami de 2004, un médium Américain et un jeune garçon anglais venant de perdre son frère jumeau. Plutôt qu’une œuvre chorale, Clint Eastwood préfère filmer un long-métrage fascinant, prenant son temps sur chaque personnage indépendamment les uns des autres. Ainsi, tels trois cours-métrages imbriqués, les trois vies se déroulent sans jamais se toucher. Et ce n’est qu’à la toute fin que les personnages se rencontreront, permettant à Eastwood de nous parler de sa vision du deuil.

En effet, si l’on regarde attentivement, on remarquera que les protagonistes perdent pied avec leur entourage et s’isolent. Ce n’est qu’en accomplissant un lien avec l’autre qu’ils « guériront », feront leur deuil et trouveront un sens à leur vie. Deux images viennent appuyer ce principe. Celle d’un Matt Damon tendant les bras à la perpendiculaire pour choisir qui « suivre », et la toute dernière dont on voit la signification quelque secondes avant. De plus, les séquences associées aux personnages sont de plus en plus courtes, Clint Eastwood montrant subtilement la rencontre prochaine via un décompte de plus en plus rapide.

Ajoutez à cela une poésie par l’image (la première séquence, les passages dans l’au-delà) et des séquences profondément émouvantes (surtout avec le personnage de Bryce Dallas Howard) et vous obtiendrez un excellent film (malgré les scènes à Paris, parfois un peu déroutantes).

9/10

Machinarium

2011-01-17T17:10:00.009+01:00

A l'heure où le marché du jeu vidéo est de plus en plus dominé par les gros blockbusters d'action, quelques petits studios résistent encore et cherchent à faire revivre le Point & Click, genre ayant connu ses heures de gloire il y a quelques années, en particulier grâce au studios Lucas Art (Day of the Tentacle, Sam & Max hit the Road, Full Throttle...) et se faisant malheureusement fort rare désormais...
Machinarium, sorti en 2009, a été développé durant 3 ans par le studio tchèque Amanita Design, studio composé de sept développeurs ayant financé le jeu par leurs propres moyens.
Il s'agit d'un Point & Click très traditionnel dans la forme, permettant au joueur d'incarner un personnage évoluant au milieu de décors en 2D, de ramasser des objets, de les combiner, d'interagir avec tout et n'importe quoi et, surtout, de se creuser la tête sur des énigmes tordues ainsi que sur des mini-jeux divers et variés.

Machinarium raconte l'histoire de Joseph, un petit robot abandonné dans une décharge par une bande de malfrats ayant fait main basse sur la ville. Joseph devra devra donc déjouer leurs plans tout en recherchant sa petite amie.

Ce qui frappe en premier lieu dans Machinarium, c'est le soin extraordinaire apporté aux graphismes. Le robot évolue au milieu d'une ville aux teintes pastels entièrement dessinée à la main, à la fois simpliste et ultra-détaillée et possédant un charme énorme. La BO, composée de musiques électroniques très aériennes et pleines de petits bruits métalliques, s'accorde parfaitement à l'univers et contribue à rendre l'ensemble immersif.
Les personnages ne sont pas en reste et on s'attache immédiatement à notre petite boîte de conserve sur pattes, déambulant en ville à la recherche de sa copine et rencontrant toutes sortes de robots étranges. Cet attachement est renforcé par le fait que le jeu ne comporte absolument aucun dialogue, ceux si étant remplacés par des sons et des petites animations simplistes.

Le jeu propose un mélange équilibré d'aventure et de mini-jeux (Space Invader, morpion, puzzles et autres casses têtes...) rendant l'ensemble très varié, agréable et ludique. Un système d'aide a également été mis en place afin d'éviter toute frustration due à une énigme un peu trop tordue; le joueur peut demander un indice le poussant sur la bonne voie sans lui en dire trop ou, si besoin, pourra accéder à une soluce sous forme de story-board, mais pour cela il faudra sortir vivant d'un mini shoot'em up !

Seul point négatif du soft, sa durée de vie assez faible, d'autant plus que l'univers et les personnages sont tellement attachants qu'on aimerait passer un peu plus de temps en leur compagnie.

Machinarium est un véritable petit bijou, un jeu simple mais touchant, à l'ambiance unique, aux personnages attachants et à l'univers merveilleux...

Romain aurait sans doute conclu par: "c'est plus qu'un jeu vidéo, c'est une expérience à vivre" et je ne peux que lui donner raison.

A noter que le jeu, trouvable pour un petit prix, comporte également un poster et le CD de la BO !
Sympa, non ?

Et pour ceux qui voudraient essayer, voici une démo jouable sur le net, sans installation nécessaire, mais avec quelques temps de chargement absents du soft: http://machinarium.net/demo/

Bon jeu !

Asterios Polyp

2011-01-11T20:35:00.006+01:00

David Mazzuchelli s'était fait remarquer à la fin des années 80 en illustrant Batman: Year One et Daredevil: Justice Aveugle sur des histoires de Frank Miller. Il avait ensuite très vite délaissé l'univers des super-héros pour se pencher sur des projets un peu plus personnels comme l'adaptation de Cité de Verre, le célèbre roman de l'auteur new-yorkais Paul Auster et surtout son Big Man qui nous avait déjà laissé entrevoir tout son talent en 1998.
Et depuis, plus rien. Mazzuchelli se consacrait depuis maintenant 12 ans à l'enseignement de la bande dessinée. Son parcours atypique et ses précédents travaux nous laissaient entrevoir un homme cultivé et talentueux, mais rien ne nous avait préparé à recevoir Asterios Polyp, véritable chef-d'oeuvre du neuvième art...

Asterios Polyp nous raconte l'histoire du personnage éponyme, un architecte théorique (aucun de ses travaux n'a jamais été construit) qui enseigne à l'université (David, c'est toi ?), qui voit le monde en binaire (il pense toujours en termes de dualité) et plus particulièrement de sa rencontre avec Hana, une jeune artiste qui deviendra sa femme (puis son ex-femme) à qui tout l'oppose mais qui va changer sa vie.

À partir de cette histoire toute simple et maintes fois contée, Mazzuchelli nous délivre une oeuvre qui pourrait bien représenter à elle seule la quintessence de la bande dessinée. Avec son style épuré à l'extrême (il n'utilise que 3 couleurs), le génial auteur utilise tous les outils à sa disposition, tous les codes de son art, pour tenter (et réussir) de nous livrer une radiographie de l'Humain dans toutes ses contradictions et des relations humaines dans ce qu'elles ont de plus beau et de plus complexe.
Le style est donc épuré, le texte est aussi simple que l'histoire, mais Mazzuchelli parvient pourtant à nous livrer une œuvre d'une immense richesse dont il est impossible de saisir toutes les nuances en une seule lecture. Tout passe par le dessin et par le découpage des planches. Chaque personnage à son propre style graphique, depuis ses traits jusqu'à ses couleurs en passant par le design de ses bulles ou sa typographie, tous les êtres qui parcourent la vie d'Asterios sont uniques et point besoin de décrire les émotions lorsqu'il interagit avec ceux-ci puisque, là aussi, tout passe par le dessin. L'exemple le plus frappant est sans aucun doute celui de sa première rencontre avec Hana, le style angulaire, géométrique et bleu d'Asterios se confronte à celui brouillon, hachuré et rose d'Hana. Mais, au fur et à mesure que la conversation se déroule, les deux styles fusionnent pour finir par ne faire plus qu'un, et là, Mazzuchelli a tout simplement réussi quelque chose d'immense, il vient de dessiner l'Amour !

Et ce n'est qu'un exemple parmi tant d'autres, mais je n'ai pas envie d'en dévoiler d'avantage pour ne pas gâcher le plaisir de ceux qui n'ont pas encore eu l'occasion de mettre la main sur ce chef-d'œuvre. On pourrait disserter des heures sur la profondeur de l'œuvre, sur l'importance de chaque minuscule détail qui nous paraissent souvent anodins mais qui se révèlent tous capitaux. Et tout devient encore plus limpide lors de la seconde lecture.

Asterios Polyp s'impose comme une œuvre majeure, une oeuvre qui fera date tant elle représente fondamentalement ce qu'est la bande dessinée en tant qu'art, jamais auparavant on n'avait vu une telle osmose entre le fond, la forme et le médium.

Mathieu

Hero Corp

2010-11-30T17:12:00.006+01:00

Une série de super-héros. Yeah ! Française. Ouch… Et pourtant, et pourtant.. le miracle se produit.

À la suite d’une guerre qui se déroula dans les années 1980, il fut décidé de créer une organisation afin de regrouper tous les Super-Héros et de maintenir un climat de paix : l’agence Hero Corp. Cette agence possède plusieurs sites secrets sur la planète, et nous trouvons, dans le département de la Lozère, les retraités, les mis au rancart, les démissionnaires, les démasqués, les pas-formés, les hors-normes. Coupés du monde, ils peuvent retrouver une vie calme et paisible. Vingt ans après, ce calme paisible vole en éclats lorsque The Lord, un Super-Vilain, réapparaît ! (wiki)

En voilà une idée casse-gueule qu’a eu Simon Astier, frère de, les histoires de super-héros n’étant jamais vraiment réussies autre part que sous format comic-book. Au cinéma, il y a les Spider-Man de Sam Raimi, Batman returns de Burton –et à la limite les Nolan-, les Indestructibles de chez Pixar, le Superman de Donner et dans une moindre mesure, le Hulk de Ang Lee et les X-Men de Bryan Singer. Et à la TV ? Heroes échoua au bout de quelques épisodes, Lois&Clark avait son petit côté kitsch pas désagréable mais qui fut aussi le principal défaut de la série, au même titre que Hulk avec Ferrigno, les Batman d’Adam West n’en parlons pas. Bref, à la TV il manquait une vrai œuvre divertissante, bien écrite et ambitieuse. Hero Corp est là.

Pourtant, ça n’était pas gagné. En effet la première saison traîne beaucoup en longueur en retardant la résolution de nombreux enjeux. De plus, le budget que l’on devine minimaliste (aux alentours d’1 million d’euros selon diverses infos sur internet) impose de nombreuses restrictions, comme les super pouvoirs. Mais il y a un côté attachant vraiment plaisant surtout que Simon Astier est loin de se foutre de notre gueule. Déjà, parce que la série est drôle et jamais cynique. On se marre quand on découvre le nouveau pouvoir de Captain acid, quand Captain Cold utilise son don, quand on découvre que les super-héros forment une sorte de société secrète se réunissant dans des galeries souterraines, quand on entend les noms francisés des personnages (Mique, Sten, etc.). Et le faible budget n’empêche pas Astier de vouloir une série ambitieuse, dès sa deuxième saison.

La nouvelle mouture de Hero Corp sent la maturité. L’écriture et la narrations sont plus travaillés. Les personnages développent un vrai background au fur et à mesure de l'histoire. Et, avec un budget similaire à celui de la première saison, Astier réussit à nous mettre beaucoup plus dans les mirettes au niveau Prod. Design. Plus drôle, plus ambitieuse, mieux écrite, cette saison 2 est vraiment enthousiasmante. Si bien que le cliff’ final nous déchire un peu le cœur, puisqu’on sait que la fin de l’histoire n’est pas pour tout de suite…

Doctor Who 2005-2009

2010-11-24T16:05:00.012+01:00

Cette série relate les aventures du Docteur, un extraterrestre, un Seigneur du Temps (Time Lord) originaire de la planète Gallifrey. Dans la première série, exilé par son peuple, il voyage à bord d'un TARDIS (Time And Relative Dimension(s) In Space, ou Temps A Relativité Dimentionnel Inter Spatial en français), une machine pouvant voyager dans l'espace et dans le temps. Particulièrement attaché à la Terre, il est régulièrement accompagné dans ses voyages par des compagnons, pour la plupart humains. Le TARDIS a l'apparence d'une cabine de police (construction typiquement britannique ressemblant à une cabine téléphonique), le système de camouflage étant resté bloqué. Comme tous les Seigneur du Temps, le Docteur a le pouvoir de se regénérer, ce qui explique sa capacité à changer de corps lorsqu'il est proche de la mort. Dans la seconde série, le Docteur est le dernier survivant de sa race, anéantie par la grande guerre du temps contre les Daleks, les pires ennemis du Docteur. (Wiki)

Je profite du 100ème message pour parler d'une mes séries préférées. Juste derrière BSG, c'est peu dire. Doctor Who c’est un peu le Star Trek d’outre-manche : une série de SF qui débute dans les années soixante, un long passage à la télévision, des spin-offs, une solide base de fan, des produits dérivés et fanfictions comme s’il en pleuvait, un récent redémarrage etc. Moins connu dans le monde que sa petite sœur, Doctor Who a cependant marqué toute une génération d’Anglais au point que même Neil Gaiman se prêtera au jeu de l’écriture pour un épisode de la saison 6.

Une série loufoque

La première fois qu’on s’attaque à Doctor Who, on assiste à une gallerie de monstres plastoc assez incroyable : Daleks, Cybermen, chien robot, aliens verdâtres, et j’en passe. Que les aliens soient nouveaux ou repris dans la longue mythologie de la série, Russel T. Davies réussit à en faire de vrais personnages, réussis autant psychologiquement que physiquement. Pour autant, on pourrait en rire si on était cynique : ils ont parfois une sale gueule (les Slitheen), un comportement légèrement kitsch (Aaaah ce bon vieux K9 –prononcez Kaye-naïe-ne) etc. Mais ils sont toujours attachants (aussi maléfiques soient-ils). Il est cependant regrettable que les meilleurs moments arrivent dès le début de la série. En effet, peut-être par volonté de bien faire, Russel T. Davies propose des épisodes trop fournis qui auraient eu leur place 2 ou 3 saisons après. On pense évidemment aux Daleks, qui semblent revenir inlassablement. Mais on se laisse porter par les aventures du Docteur et de ses compagnons occasionnels, à travers l’espace et le temps. La bonne humeur est omniprésente et les auteurs n’hésitent pas à aller à fond dans leur concept et aussi loin que les SFX le permettent ! On nous ballade de la fin de l’Univers à Pompéi (devinez quand), d’une planète inconnue au domicile d’Agatha Christie. On se promène avec la Reine Victoria (qui devient un loup-garou, au même titre que ses descendants), Van Gogh, Madame de Pompadour et Charles Dickens. On voit des fantômes, des zombies, des entreprises démoniaques, des robots géants, des monstres génétiquement modifiés, etc. Bref, Doctor Who, c’est du bonheur en barre pour tout spectateur aimant une certaine culture populaire et ayant gardé au fond de lui un peu de l’âme qui l’animait enfant. Tout comme Davies a su garder la sienne. Comment proposer sinon des épisodes aussi incongrus au premier abord ? Ya des abeilles géantes ! Mais merde ! Et puis ya de sacrés moments de SF...

Une série sérieuse

On retrouve cependant un certain nombre de thèmes plutôt adultes : perte de l’être cher, deuil, seconde guerre mondiale, politique, démembrement, zombification, enfant maltraité (épisode super flippant d’ailleurs), démons, dictature, fatalité, torture, monstres terrifiants etc. Bref, certains épisodes sont loin d’être joyeux et finissent de temps en temps sur une note horrifique ou triste. Tant et si bien que la série donnera naissance à une expression britannique. Ces thèmes, éclectiques, sont brassés continuellement au sein de saisons de qualité variables mais proposant toujours quelque chose de nouveau et d’intéressant à se mettre sous la dent au niveau des personnages. On pensera surtout au poids de la culpabilité et/ou de la responsabilité qui pèse sur les personnages. Le Docteur se sentira souvent tiraillé entre son désir permanent de sauver des innocents et son rôle de TimeLord. Et Russel T. Davies compte bien explorer toutes les pistes possibles amenées par de telles thématiques.

L’exigence du script

Russel T. Davies évite de tomber dans le piège de Star Trek, à savoir la planète de la semaine. Certes, chaque épisode apporte son lot d’époques du futur ou du passé, de mondes inconnus, etc. Mais ils sont tous, à divers degrés, imbriqués dans un gigantesque puzzle qui ne se résout parfois qu’en fin de saison, ou qui apporte une solution 2 saisons plus tard. Ces arcs scénaristiques sont peut-être la plus grande qualité de la série, chose que retiendra Steven Mofat à partir de la saison 5 lorsqu’il prendra le poste de Showrunner. Si la première saison met en place la thématique du temps avec classicisme mais toujours de façon appliquée et honnête, la saison 2 augmente le niveau et introduit Torchwood, sombre organisation oeuvrant pour la défense de la Terre contre les menaces extra-terrestres. La saison 3, la moins bonne, voit l’arc « Mr Saxon », dont les premières infos ont été innocemment distillées ici et là dès la saison précédente. Et si les épisodes avec Martha Jones sont parmi les moins bons, le grand final défonce sa reum (excusez du peu). Mais tout ceci n’était qu’une mise en bouche avant la saison 4, où les mots « continuité », « arc » et « cascade de Méduse » prennent tout leur sens. Meilleurs personnages (Donna est incroyable), plus drôle, plus émouvante, plus aventureuse, plus tout, la saison 4 semble être le chant du signe d’un Russel T. Davies en pleine possession de ses moyens. Et de faire un plaisir immense aux fans dans un final qui ressemble à une réunion de famille inespérée, et pourtant logique, sur fond de « Chant de liberté ».

Des personnages, des vrais

Quoiqu’on en dise, on retrouve un peu de nous en chacune des compagnes du Docteur. Elles ont toutes envie de voir autre chose, de partir à l’aventure. Donna Noble, encore une fois la meilleure compagne du Docteur, regrettera d’ailleurs amèrement son départ à la fin du Christmas Special 2007. Et c’est avec des étoiles dans les yeux (littéralement) qu’elle le rejoindra pour une saison complète et provoquera une mutation psychologique évidente chez le Docteur. Au départ présentée comme son côté opposé, elle deviendra son parfait complémentaire, celle par qui il peut renaître et qui lui fera voir la vie non plus comme une simple constante dans le temps. D’où la grosse amertume du final de la saison 4 (Journey’s end) où Davies nous lacère le cœur (et on redemande).

On pourrait évidemment pinailler sur plusieurs éléments. Outre quelques épisodes moins intéressants disséminés ici et là, il y a ces Specials, des TVfilms de 2009. Malgré un final de saison 4 qui a vraiment un goût de "Grand Final", la réalisation de ces épisodes longs ne sont qu’une transition de luxe et loupent le coche épique qu’on pouvait en attendre. Mais les scénaristes savent rendre tout cela intéressant (le final de Waters of Mars notamment).

C’est donc en proposant une imagerie et une galerie de monstre passionnantes, en adoptant une écriture ambitieuse et exigeante, en réussissant à retomber sur ses pieds malgré les imprévus de production (le départ de certains acteurs notamment) et sans prendre le spectateur pour un gros nul que Davies a plus que réussi son pari. Il a ressuscité une icône et de la plus belle des manières. Les Anglais ont de quoi être fiers. Nous en France, on l’attend toujours notre Docteur, notre Kirk. C’est pas demain la veille… Quoiqu'il en soit merci Russel. Et sache que Steven Mofat a parfaitement repris le flambeau. Mais ça c'est une autre histoire.

Life on Mars

2010-11-18T21:50:00.006+01:00

Le monde de l'inspecteur Sam Tyler va changer du tout au tout. Peu de temps après que sa petite amie ait été kidnappée par un serial killer, il est renversé par une voiture. Il se réveille en 1973... Devenu jeune inspecteur de police, il doit s'adapter à ce nouveau monde et découvre un lien entre un meurtre récent et le kidnapping de sa fiancée en 2006.

Avec un pitch comme celui-là, difficile de faire la fine bouche et de ne pas au moins vouloir jeter un œil au résultat. En effet, quoi de plus attractif qu’un bon voyage dans le temps ? Mais le résultat est assez différent de ce que l’on pouvait penser.

Il faut reconnaître que la série doit venir d’un amour des auteurs pour ces séries qu’on matait à la téloche le midi ou le dimanche entre deux chocolats chauds : Amicalement vôtre, Les rues de San-Francisco, Starsky et Hutch, etc. Ces programmes pullulaient et étaient multi-rediffusés, d’où des codes repris ici : portrait de deux flics aux méthodes opposées, enquête débouchant sur une course-poursuite, thématiques habituelles (drogues, kidnappings etc.)… Mais les auteurs n’oublient pour autant pas leur histoire principale et prennent souvent en compte le fait que Sam « vient du futur » (mais est-ce le cas ?). S’ensuivent des dilemmes moraux passionnants où Sam Tyler privilégie ses propres méthodes aux anciennes. Et loin d’en faire de la pure démagogie dégoulinante rempli de manichéisme, Matthew Graham, Tony Jordan et Ashley Pharoah se posent les bonnes questions et montrent les limites des deux méthodes de la police, l’une musclée, l’autre purement bureaucratique et dans les règles. C’est souvent l’alliance des deux qui permet aux personnages principaux d’arriver à résoudre les crimes.

Le show montre vite ses limites (les auteurs l’ont sûrement bien vite compris et se sont arrêtés au bout de 18 épisodes). Même si les personnages sont très bien développés dès le début, ils n’évoluent pas d’un iota et les épisodes sombrent vite dans la routine ronflante et répétitive. Oui on sait que Gene Hunt est un facho violent qui aime son équipe. On sait que Sam Tyler est pétri de valeurs morales et d’une volonté de bien faire. Sa relation avec Annie stagne pendant toute la série si bien qu’on se demande ce que les auteurs veulent en faire…

Les scénaristes sont cependant conscients qu’ils ont une histoire à continuer et terminer. Ils offrent pour chaque épisode des séquences hallucinatoires franchement bien foutus. En faisant de Sam un personnage largué dans un environnement qu’il ne connaît pas et en le confrontant à des « échos » de son passé/futur, on obtient des scènes vraiment réussies. Dommage cependant qu’à la manière d’un Doctor Who ou Torchwood les scénaristes ne sèment pas les graines d’une mythologie dans chaque épisode (vous pouvez mater le premier, le cinquième, le dixième et le dernier vous comprendrez tout) et oublient la « nécessité » (avis purement subjectif) de faire de chaque épisode une pierre à un édifice narratif.

Fiche série
Créateurs	Matthew Graham, Tony Jordan et Ashley Pharoah
Acteurs principaux	John Simm et Philip Glenister
Genre	Série policère
Date de sortie	2006-2007
Durée	16 épisodes de 50 min env
Affiche originale

Scott Pilgrim vs. the World

2010-11-05T23:59:00.005+01:00

Ecrite par le Canadien Bryan Lee O'Malley, la série Scott Pilgrim voit le personnage du même nom tomber amoureux de l’Américaine Ramona Flowers mais devra, pour la conquérir, battre les sept ex maléfiques de la jeune fille (the seven evil exes, ça sonne mieux) qui se sont jurés de contrôler sa vie amoureuse. Dit comme ça, le pitch fait un peu con et pourrait tomber dans le n’importe quoi réalisé n’importe comment dans les mains d’un tâcheron (exemple innocent : Zack Snyder). Surtout que le matériau originel n’est pas des plus transcendant (énorme difficulté pour différencier les personnages, problèmes de rythme et il ne s’y passe pas grand chose) malgré quelques bonnes idées et une bonne humeur évidente. La présence d’Edgar Wright au poste de réalisateur modifie évidemment complètement la donne. Réalisateur de génie (matez Spaced si ce n’est pas encore fait) maniant la comédie avec brillo, fluidité et pertinence, il est de ces artistes qui nous fait aimer le cinéma. Après Shaun of the dead et Hot Fuzz débarque donc Scott Pilgrim vs the world, reprenant la trame générale (sauf le final, d'après ce que j'en ai entendu, le comic n'étant pas paru entièrement en France) du comic-book d’origine. Et on peut dire que c’est le pied total.

Reprenant à son compte, tout comme Speed Racer, les codes d’une certaine culture populaire (mangas, jeux-vidéo, musique, etc.), Wright prend le temps de dépeindre un tout nouvel univers cinématographique où s’entrecroisent le plus naturellement du monde des individus avec des pouvoirs, un univers où vaincre un ennemi te rapporte des pièces, où déclarer ton amour te fait monter un niveau, où les rires enregistrés d’un public résonnent à nos oreilles, où la notion d’espace et de physique sont bafoués (le coup des doubleurs) etc. Bref, cela ressemble fortement à des après-midi passés à lire des BD, jouer à la console ou regarder des tonnes de films. Et la force du film est d’être totalement fluide et naturel, et nous fait adhérer automatiquement. Et sa réalisation énergique et pertinente, déjà appréciée dans ses précédents travaux (mais un peu répétitive dans Hot Fuzz) est ici sublimée.

Niveau scénario, il y a quelques problèmes mineurs liés à la difficulté d’adapter une série de comic book en un film de moins de deux heures. Le plus important reste la place accordée à certains ennemis, trois d’entre eux étant un peu sous-exploités. Dommage. Mais c’est faire la fine bouche devant un sacré spectacle qui renvoie autant aux Wachowsky (ah ce fameux Ghost mode de Speed Racer) qu’à John Hughes (acception de soi et de ses erreurs, etc.).

Scott Pilgrim, c’est du bon. Mangez-en sans modération. Et au cinéma si-possible.

Fiche film
Réalisateur	Edgar Wright
Acteurs principaux	Michael Cera ; Mary-Elizabeth Winstead
Genre	Comédie ; Action ; Inclassable
Date de sortie	2010 (US)
Durée	1h52
Affiche originale

Encarnação do Demônio / Embodiment Of Evil

2010-11-03T14:59:00.005+01:00

Réalisés et interprétés par le brésilien José Mojica Marins, A Minuit J'emporterai ton Âme (1964) et Cette nuit, je m'incarnerai dans ton cadavre (1967) introduisaient Zé do Caixão (Coffin Joe, pour les anglophones), croque mort hallucinant et halluciné, déclamant de la pseudo-philosophie tout en blasphémant à la face des spectateurs brésiliens, à l'époque absolument scandalisés par ce personnage haut en couleur (et n'hésitant pas à dévorer de la viande le vendredi saint, quelle décadence !).

Il suffit de parcourir rapidement les sites qui lui sont consacrés pour se rendre compte que José Mojica Marins est tout aussi fêlé que son personnage, n'hésitant pas à enterrer vivants ses acteurs ou à les menacer sur le plateau. Dans une interview, il dit faire passer des tests de courage aux acteurs afin de savoir s'ils ont les cojones (enfin, ce sont surtout les actrices qui morflent, en fait...) de tourner dans ses films. Rumeurs fondées ou pas, tout cela participe à la création d'une aura mystérieuse et effrayante planant autour de l'auteur aux ongles longs.

Après avoir réalisé une tripotée de films d'horreur et/ou déviants (on lui doit un film sur l'enfer de la drogue, banni au Brésil durant 18 ans), il met un terme à sa carrière de réalisateur en 1987, après avoir réalisé deux "classiques" -si j'en crois ce qu'on raconte sur le net- de la sexploitation, 24 Horas de Sexo Explícito (1985) et 48 Horas de Sexo Alucinante (1987). (ndY : ah tiens, ça je connais).

Ce n'est qu'en 2006 qu'il entame le tournage du dernier film de la trilogie Coffin Joe, 39 ans après l'épisode précédent. Les temps ont changé et José Mojica Marins remet au goût du jour un script qu'il avait rédigé à l'époque... On y découvre un Zé do Caixão croulant en prison depuis 40 ans et arrivant à la fin de sa peine, prêt à ré-intégrer la vie en société... C'est dans un univers transformé, une favelas contrôlée par les gangs et des flics brutaux, que Zé va poursuivre sa quête: trouver une femme pour perpétuer sa lignée...

Encarnação do Demônio est une véritable petite pépite, un véritable film d'horreur, moderne dans la forme mais lorgnant vers les années 60 dans le fond, en bien plus osé visuellement et thématiquement. Encarnação do Demônio propose un spectacle macabre et blasphématoire, bourré de séquences hallucinantes, semblant parfois sortir d'un Fulci sous acide, et porté par un Coffin Joe théâtral et grand guignolesque, interprété par un Marins au meilleur de sa forme !

Même s'il présente quelques petits défauts, au niveau des transitions entre les scènes ou du jeu de certains acteurs (le prêtre, nom de dieu !), Embodiment of Evil fait partie de ces films à qui on pardonne tout tant ils nous semblent sincères et réalisés avec les tripes.

A 73 ans, José Mojito Marins fait la nique aux torture-flicks pour djeunz grâce à son film délicieusement macabre et bourré de scènes Fulci-Style, à la limite du "gore-poétique" (certains passages m'ont également fait penser au Dellamorte Dellamore de Soavi) et propose une métaphore de la censure intelligente, via son personnage de Coffin Joe, traqué par la police et l'Église... Mais "les images sont immortelles" et Zé do Caixão, même traqué, continuera à hanter les cauchemars des fanatiques de cinéma horrifique !

Fiche film
Réalisateur	José Mojica Marins
Acteur(s) principal(aux)	José Mojica Marins
Genre	Horreur
Date de sortie	2008 (Brésil)
Durée	94'
Affiche originale

Editorial

2010-11-03T09:02:00.007+01:00

Après plusieurs mois d'inactivité, Demiurgeek reprend vie, pour longtemps je l'espère. Mais pas mal de choses ont changées. La nouveauté la plus importante est l'apparition de deux nouveaux rédacteurs, Fabien et Romain. Le premier est un mordus de cinéma bis à base de monstres caoutchouteux et de musique Dark ambient. Mais attention, si vous le secouez trop fort, vous pourriez bien faire apparaître une véritable fleur bleue. Quant à Romain, c'est un fan de David Lynch (même s'il ne sais pas trop pourquoi) et super-héros (surtout Georges Clooney et ses fesses dans Batman et Robin). Bref, ce dynamique duo se joint à moi pour écrire des articles, non plus exclusivement sur le cinéma et les séries, mais sur tout type d'art. En effet, si on prend le titre du blog au pied de la lettre (un démiurge est un créateur, un geek est un passionné - pour faire court), nous nous devons d'être exhaustifs dans les thèmes traités, nécessité à laquelle je manquais auparavant. Viendront donc les posts sur les films, les séries télé, la musique, la littérature, les bande-dessinées etc. (et pourquoi pas les opéras et pièces de théâtres si l'envie nous en prend). Mais attention, pas d'article à l'égo surdimensionné, pas de catégorisation immédiate et idiote des genres, pas de textes faciles et aigris. Nous sommes trois collègues geeks voulant surtout faire partager leurs coups de coeur et leurs coups de gueule, sans pression, avec juste la volonté de partager et de connaître d'autres univers. Bref des geeks.

Le monstre

2010-11-02T19:31:00.015+01:00

Une fusée fait un atterrissage plutôt chaotique en rase campagne. Les militaires arrivent bientôt sur place, suivis par le fameux physicien Bernard Quatermass et ses assistants, et une femme qui se trouve être l'épouse de l'un des passagers de l'engin spatial...

Premier volet de la trilogie Quatermass (3 serials, puis 3 films dont le métrage de Val Guest fait partie, puis un remake en direct par la BBC avec Jason Flemyng et David Tennant), le monstre est un film fantastique vraiment bon. Préfigurant La mouche et pas très loin de Invasion of the Body Snatchers, dont il partage une certaine paranoïa, le film propose un gothisme et un côté lovecraftien qui a tout pour nous plaire. Parfois flippant (notamment l'interprétation de Richard Wordsworth) et toujours sérieux, le film de Val Guest ne faiblit jamais dans son rythme et son image en N&B joue pour beaucoup dans le charme et l'ambiance de ce Quatermass Xperiment. On retiendra également le personnage de Quatermass, physicien autoritaire et légèrement arrogant, qui ne recule devant rien pour arriver à ses fins, même s'il doit refaire ses expériences dangereuses et sacrifier des Hommes... On pourra rechigner devant quelques défauts (on a tendance à nous répéter souvent les mêmes choses, un final expéditif, quelques incohérences pas méchantes) mais ce serait bouder son plaisir et ne pas profiter de séquences énormes (la caméra, longtemps avant la scène de flippe totale de Signes). C'est du bon.

Fiche film
Réalisateur	Val Guest
Acteurs principaux	Brian Donlevy
Genre	SF
Date de sortie	1955 (UK)
Durée	90'
Affiche originale

I'm back motheufeuckeu !

2010-11-01T19:49:00.004+01:00

Allez hop, on reprend sur de bonnes bases. Modification du style du blog. Suppressions des postes inutiles. Volonté de bien faire (c'est à dire, des bons articles cette fois). On commence avec un article sur la série Doctor Who (bientôt en ligne, avant décembre ... 2011 !), sur Tintin (et les bouleversements artistiques qui s'en suivent) et de nombreux autres. J'espère trouver temps, courage et envie de continuer ce blog (surtout le temps en fait).

Apatowesque

2010-03-14T10:47:00.002+01:00

J'ai regardé coup sur coup Funny People et Knocked Up de Judd Apatow. Alors que je m'attendais à des comédies grasses et drôles, je me suis retrouvé face à deux films très émouvants voire carrément déprimants.

Ainsi Funny People est un drame, un vrai. Son titre ironique raconte en fait la vie pas forcément drôle des gens qui le sont, eux (ou du moins, qui essayent de l'être). George Simmons (Sandler) est un comique ultra-reconnu qui enchaine les succès aux USA mais dont la vie sentimentale, sociale et artistique est au point mort. Cette mort pourrait bien se matérialiser car on lui annonce bientôt qu'il est atteint d'une leucémie et qu'il a très peu de chance de s'en sortir. Egocentrique et capricieux, l'annonce de sa maladie quasi-incurable lui fait prendre conscience qu'il a peut-être intérêt à changer. Sa rencontre avec Ira, jeune comique pétris de doutes et terrifié, va lui faire prendre un tournant. Filmé avec sobriété par un Apatow qui se met à nu (et ce dès la première séquence), Funny People est un long-métrage terriblement mélancolique et attachant, qui parle avec pertinence et amour de ces personnes à qui l'on demande constamment de nous faire rire, au point de les rendre névrotiques ou d'occulter les problèmes dont ils nous parlent. (les scènes de stand-up sont à ce titres criantes). De là à y voir un récit quasi-autobiographique, il n'y a qu'un pas que je franchirais volontiers.

Plus léger, Knocked up (En cloque mode d'emploi en français) parle de paternité et de responsabilité. Encore une fois, sous la caméra d'Apatow, le film se donne des aparats de comédie drôle (ce qu'il est parfois) mais en revient toujours à parler de sujets importants et sérieux. On passe donc du rire à l'émotion en un claquement de doigt, et c'est ça qui fait d'Apatow, un réalisteur important du cinéma actuel.

I'll be back

2010-02-24T17:19:00.003+01:00

Un poste pour ne rien dire. Enfin presque. Mon semestre s'est terminé, les cours, les exams et le projets avec. J'ai du temps pour voir toute sortes de films (et même 5 saisons de Friends en moins de deux semaines, c'est dire !).

Bref, coming soon on Demiurgeek :
The fall
Rec 2
Agora
Mr Nobody
Les griffes de la nuit
Invictus
500 jours ensemble
L'île aux pirates
Les yeux sans visage
L'effet papillon
Tempête de boulettes géantes
Freddy 2

Halloween 2 (Rob Zombie)

2010-01-04T18:20:00.008+01:00

Après le sympathique (mais un peu raté dans une seconde partie trop fidèle au chef d'oeuvre de John Carpenter) Halloween, premier du nom (enfin... premier remake), Rob Zombie retourne à Haddonfield pour terroriser une Laurie Strode déjà bien traumatisée. Alors qu'il avait promis de ne pas réaliser cette suite, c'est avec surprise qu'on apprend successivement, en quelques mois seulement, l'arrivée de Zombie, la rédaction du scénario, le tournage et la sortie du film au USA (en France, il faut attendre une prochaine édition DVD). Les critiques sont très mauvaises mais le film rentre dans ses frais (15 millions de budget, 33 de bénef brut). Avec toute cette mauvaise presse, il y avait de quoi s'inquiéter, surtout que ce film était l'occasion pour Zombie de réaliser son Halloween en s'affranchissant enfin du Halloween original. Heureusement, le film tient largement la route.

Halloween 2 prend place directement après le premier et livre une première demi-heure glauque à souhait et plutôt flippante : Laurie est à l'Hôpital et Michael la pourchasse. S'ensuit l'intrigue générale du film qui fera crier certains afficionados de Myers : Michael n'est plus le boogeyman ultime, la figure du Mal, le Diable en personne, c'est "juste" un gros taré impressionnant. Laurie quant à elle vire dans la psychose (elle suit d'ailleurs une thérapie) et rend folle Annie, chez qui elle vit. Rob Zombie en profite pour choisir une voie complètement différente et remplit son film d'ésotérisme. Ainsi, Michael est persécuté par des visions de sa mère (très très belles images au passage) qui lui ordonne de tuer (et oui Michael n'est qu'un pantin d'une force supérieure...). On pourra cependant regretter que Zombie possède la finesse d'un phacochère : entre enfoncer le coup du cheval à coup de massue dans la tête du spectateur et répéter 50 fois la scène avec Sherry Moon Zombie (c'est bon, on a compris Rob), une redondance légèrement relou pointe le bout de son nez. Mais ce n'est rien dans un métrage très réussi, métrage où Rob Zombie en profite pour dézinguer les psychiatres en faisant de Loomis un personnage de "méchant" - va encore y avoir des cris d'ayatollahs. Bref, une bien bonne surprise.

Explorers

2009-12-27T22:05:00.005+01:00

Gremlins, film de Joe Dante précédant Explorers, présentait déjà la boulimie filmique extrême du réalisateur (films fantastiques ou non). Explorers ne déroge pas à la règle et va même jusqu’à proposer un propos allant à l’encontre de ce qu’on aurait pu attendre, mais néanmoins intéressant.

Le film suit Ben, jeune cinéphile dont les rêves lui permettent, avec l’aide de deux amis, de construire un mini vaisseau spatial. Cet engin le conduira tout droit vers son rêve : des aliens. Mais la réalité est largement plus décevante. En effet, les trois garnements rencontrent deux E.T. (Wak et Neek) qui observent les Hommes depuis pas mal de temps par le biais de la télévision et ont donc appris leur langage. Cependant, la discussion entre les deux espèces se révèle impossible, les extra-terrestres ne pouvant répondre que par le truchement d’images et de sons de la TV. Ne pouvant discerner la réalité de la fiction, ils se montrent incapables d’avoir une véritable conversation et les avantages qu’en retireront chacun seront minimes. Sans compter la véritable « nature » des Aliens, réalité très décevante pour Ben, loin de ce que lui ont montré ses films et ses rêves. C’est ici que prend forme le véritable propos de Joe Dante. Ben est en quelque sorte « l’ancêtre », ou la vision jeune de Wak. En effet, il se révèle lui-aussi incapable de mener une discussion sans faire référence à un de ses films préférés (voir le début du film à ce propos). L’Alien représente donc le futur hypothétique de Ben, dans le cas où sa boulimie de films aurait empiré. Dante met donc en garde toute une partie des cinéphiles : le rêve est tellement beau que la retour à la réalité est très difficile, et il deviendra de plus en plus difficile de faire la différence entre la fiction et la réalité.

Venant d’un auteur comme Dante qui a toujours montré amoureusement son acharnement pour le cinéma, cette vision relativement pessimiste de la cinéphilie (et du rêve de façon plus générale) peut paraître déconcertant de prime-abord. Pourtant, à y réfléchir, c’est une des morales les plus intelligentes provenant d’un cinéphile véritable.

On retrouve également dans Explorers ces petites piques vers l’Amérique que l’auteur affectionne tant. Par exemple, le nom du vaisseau sera « Born in the USA » d’après le carton musical de Bruce Springsteen, tel Reagan en faisant son hymne musical lors de la campagne présidentielle. Or, la chanson de Springsteen est tout sauf patriotique. De plus, il lance une grande preuve d’amour envers les enfants, seules personnes capables d’accomplir leurs rêves, aussi fous soient-ils (et quoiqu’en disent les adultes de l’époque, et de maintenant).

Bref, Explorers est un très bon film (si on parviens à la suspension d’incrédulité, le vaisseau spatial se construisant plutôt… rapidement), au propos intelligent, surtout venant d’un auteur dont on ne suspectait pas le recul cinéphilique. Il réitérera ce recul avec Gremlins 2, énorme parodie du premier dans lequel il reprend tous les défauts de son conte de Noël (« Mais s’il leur reste un morceau de viande entre les dents, et qu’ils le mangent après minuit ? »)

Sang

2009-12-23T10:22:00.001+01:00

Je profite de ce 100ème billet pour vous souhaiter à tous un joyeux noël et de bonnes vacances. Je pars quelques jours dans un lieu sauvage sans Internet (mais avec quantité de films à regarder). On se retrouve la semaine prochaine.

Reviews (3)

2009-12-22T21:34:00.012+01:00

Je rattrape mon retard et je visualise un maximum de films.

STAR TREK XI
Les Star Trek de la première série TV et le film de Robert Wise (ainsi que certains de la saga Ciné) étaient de véritables morceaux d'intelligence, parlant de l'Homme d'aujourd'hui tout en étant un gros plaisir Geek. Seule Battlestar a réussi à reproduire cette alchimie particulière. Le Star Trek d'Abrams se contente d'être un space opera joussif et sans temps mort. On espère que le second épisode aura un scénar plus poussé.

LA-HAUT
Un film qui met en scène un gamin embêtant, un vieux grochon, une créature préhistorique et un chien qui parle, qui nous fout la larme à l'oeil au bout de 10 minutes et nous met sur les rotules après 80 minutes de pur bohneur. On appelle ça du grand cinéma.

HIGHLANDER
Près de 10 ans après ma dernière vision, ce film qui a bercé mon enfance se prend un sacré coup dans la gueule, et pas seulement à cause du temps qui passe. Narration chaotique (on passe entre les époques tellement souvent que les personnages ne sont pas suffisamment développés et les ellipses narratives sont un peu chiantes à la longue), manque de cohérence et de détail sur les immortels, etc. Mais bon, c'est Highlander quoi. Ca vaut largement mieux que le deuxième épisode et la série TV. Pour une fois qu'un remake est justifié.

PRINCESS BRIDE
C'est bien (c'était la critique construite et exhaustive de votre serviteur).

THE CELL
Juste avant de voir The Fall (encensé un peu partout), je me devais de voir le premier essai de Tarsem en tant que réalisateur. Si le résultat n'est pas extraordinaire, il révèle cependant un talent pour l'image (et sa symbolique) plutôt bon. Ainsi, Tarsem parvient à composer des tableaux (magnifiques) purement cinématographiques (qui m'ont rappelé Kagemusha de Kurosawa) dans lesquels sont injectés des métaphores bibliques (Stargher devenant une sorte de martyre qui a pris sur lui les maux et travers de l'Homme). Mais The Cell souffre de deux défauts : J-Lo et l'histoire Policière. Si la chanteuse portoricaine n'est pas catastrophique dans le rôle de Catherine, elle peine à donner un semblant de profondeur et se révèle ridicule dans le final du film. L'histoire "réelle" souffre elle d'un défaut purement narratif et ne fait clairement pas le poids face à un univers fantastique relevant clairement de Dali. Tarsem a choisi son camp malgré les efforts de Vaughn pour nous faire croire à son personnage. Bref c'est bien, mais on pouvait en attendre mieux.

Avatar

2009-12-20T16:45:00.007+01:00

Avant de commencer la chronique du film le plus attendu de l'année, j'aimerais juste parler un peu de l'Imax. Imax est un format de pellicule plus grand que la pellicule traditionnelle. Ainsi, alors qu'un film ordinaire est "imprimé" sur pellicule dite 35mm, un film Imax a été conçu pour une pellicule 70mm. La taille est doublée, la résolution plus importante. Ainsi James Cameron a tenu a réaliser son film en Imax. Avatar devient dont le tout premier film en Imax entièrement conçu pour ce format (après les quelques séquences disséminées au sein d'Harry Potter 6, de Transformers 2 ou de The Dark Knight). Autant dire que la vision du film sur un écran de ce type procure un réel plaisir et est un évènement en soi. En France, seul le Gaumont Disney Village de Marne-La-Vallée propose le film dans son format d'origine (rappelons que les cinémas proposant Avatar en 2.35, en 3D ou pas, proposent le film recadré comme le montre l'image ci-dessous). Bref, voir Avatar dans le format initial est un parcours du combattant. Et avec les grèves, c'était pas gagné d'avance.

2 mois avant la sortie d'Avatar, alors que le buzz commence à battre son plein, et que l'Avatar Day a vu un nombre incroyable de commentaires positifs débouler sur le toile (alors que le Teaser n'était pas des plus excitant), les mots revenant dans la bouche des critiques et autres analystes de cinéma étaient "film le plus cher", "hollywood", "schtroumpfs", etc. Aucun d'eux ne parlait vraiment de "bonne histoire" (et ne parlons pas de Performance Capture, honteusement cachée par le marketing, laissant un Cameron frustré de voir cette révolution technologique rester dans l'ombre du "phénomène 3D"). S'attendant ainsi à voir un film révolutionnaire de tous les côtés (ce qu'Avatar n'est pas), plusieurs critiques sortent déçus de la projection de presse, qualifiant de simpliste une histoire certes connue de tous, mais simple et universelle, et dont le traitement par James Cameron fait des merveilles.

Car oui, il faut bien avouer que le fond d'Avatar n'est pas des plus originaux (le mythe de Pocahontas, l'amour de la fille du chef de la tribu, la rivalité avec le frère et futur chef, etc.) mais Cameron fait fort et crée un univers totalement nouveau et vaste, en s'inspirant de ses diverses lectures SF, crédible, chose que l'on avait pas vu depuis, disons, 1977. Il s'inspire également de mythologies (note aux Réacs : les belles histoire, c'est grâce à ça) pour créer une belle histoire parlant à notre inconscient collectif en citant implicitement des textes religieux pour parler des Avatars, ceux-ci étant originellement les incarnations de divinités sur Terre. Ils sont d'ailleurs surnommées Les marcheurs de rêve, habritant, selon les Na'vis des démons. Le réalisateur d'Aliens n'oublie cependant pas d'insuffler ses thématiques récurrentes : une femme forte, une belle histoire d'amour, des mécas (et accessoirement, des scènes de bataille de folie) etc. Et n'oublions pas Pandora, planète magnifique, composée d'une faune et d'une flore magnifiques et cohérentes.

Enfin, sa réalisation fait merveille, entre sobriété et symbolique légère. Ainsi, la comparaison cinématographique (concept qui échappe malheureusement à beaucoup de critiques) entre la crémation du frère de Jake et la pénétration dans l'Avatar est simple mais efficace et plus parlante que 50 lignes de dialogue. Souhaitant nous immerger (note aux Réacs : la 3D ça sert à ça), il développe ainsi une nouvelle technologie, composée d'une Percap toute jeune, d'Imax et de 3D. Celle-ci est donc totalement justifiée et nous convie à fouler le seul d'un nouveau monde. Il est vrai que Cameron a tendance a surligner les propos déjà clairs du film par des phrases inutiles ("Une vie s'achève, une autre commence"). Mais c'est un menu défaut face à un film fait pour retrouver son âme d'enfant, où Cameron nous immerge dans un monde fascinant et travaillé (voir Le guide d'Avatar, où Pandora est développé jusque dans la sexualité des Na'vis) et termine son film avec 30 minutes épiques et barbares nous laissant sur le cul à la fin de la séance. Et c'est peut-être pour ça qu'on l'aime James.

Et puis, la PerCap c'est l'avenir (mais ça ne va pas plaire à ceux qui tournent des films avec 3 acteurs qui parlent en buvant un café pendant 2h30).

Avatar

2009-10-30T18:24:00.002+01:00

Ultime.
http://www.ecranlarge.com/movie_video-view-3365-4715.php

Battlestar Galactica (2)

2009-10-18T12:41:00.007+02:00

Oula, petit retard dans ma chronique de l'intégrale de BSG. Voici un texte sur la fin de la saison 1, suivi dans peu de temps par la première moitié de la saison 2.

1x08 - Flesh and bones

Le Lieutenant Kara Thrace à l'ordre d'interroger Leoben Conoy, un Cylon qui selon ses propres dires, aurait caché une ogive nucléaire quelque part dans la flotte.
Un excellent épisode qui reprend une des thématique principale de la série, à savoir "Qu'est-ce qu'un Homme ?" et "Si une machine est faite de chair et de sang, est-elle humaine ?". C'est surtout la première rencontre entre Starbuck et Leoben, relation qui sera reprise plus tard.

1x09 - Tigh me up, tigh me down

Le Colonel Saul Tigh est stupéfait d'apprendre que sa femme, Ellen Tigh, a réchappé à l'attaque Cylon. Elle désire d'ailleurs se réconcilier avec lui...
Petit épisode à priori innocent, mais tellement important pour la suite des évènements.

1x10 - The hand of God

En manque cruel de carburant, le Commandant William Adama ordonne à ses hommes de monter un plan pour attaquer une base Cylon de raffinerie de Tylium dissimulée sur un astéroïde.
Derrière son aspect indépendant et purement aventurier, The Hand of God développe la psychologie de Baltar de façon hallucinante et primordiale pour la suite.

1x11 - Colonial Day

L'élection imminente d'un nouveau Vice-président des colonies donne à l'ex-terroriste Tom Zarek l'occasion de rentrer en politique et de mettre à l'oeuvre sa conception de la liberté.
Battlestar rentre dans la politique. Les questions posées sont intéressantes et le personnage de Darek continue d'être mystérieux.

1x12 et 1x13 - Kobol's last gleaming

Ayant donné un ordre au Lieutenant Kara Thrace pour utiliser le Raider dans le but d'aller sur Caprica, le Commandant Adama exige la démission du Président. Il est forcé d'envoyer une équipe de Marines lorsque Laura refuse d'obtempérer...
La série développe sa mythologie et il est très intéressant de voir les éléments repris par la conclusion dantesque de la saga.

Sweeney Todd

2009-10-10T23:06:00.007+02:00

Clone Wars

2009-09-28T11:16:00.006+02:00

Après la débâcle Star Wars - Episodes I à III, Georges Lucas continue de s'enfoncer dans les abysses de la médiocrité. Ainsi est sorti en été 2008 ce Clone Wars se situant entre Attack of the Clones et Revenge of the Sith dans l'indifférence générale. On pouvait espérer un film d'animation classe et du niveau de la série de Tartakovsky sortie en 2003. Las ! Le film est tellement médiocre qu'il rivalise avec la nullité de La Menace Fantôme. Premier reproche, qu'on sentait pointer dans Le Retour du Jedi, c'est l'infantilisation systématique de toute menace ou de tout dialogue avec des blagues-trop-cool-t'as-vu ! Fini le comportement très Cow Boy de Han Solo (qui avait la classe, est-il nécessaire de le dire), Georges Lucas il nous sort maintenant Jar-Jar, les Ewoks ... et le fils de Jabba ! Sorte de merde avec deux bras, ce dernier est au centre de l'Histoire stupide de ce Clone Wars. Passons ensuite les petites incohérences avec le reste de la saga (on s'y attendait un peu) pour nous concentrer sur la narration bâclée. 90 minutes obligent, les évènements s'enchaînent sans repos ou temps mort. Le rythme est bien trop rapide et survolté si bien que l'on a jamais le temps de comprendre les enjeux que les personnages sont déjà scène suivante. De plus, certaines idées ne servent à rien (30 minutes de "Le fils de Jabba est malade" résolues par un "Donnons-lui une pilule"... super). Enfin, fini les chevaliers Jedi, on a maintenant droit à des super-héros qui volent partout, font des blagues en sautant dans les airs et posent à n'importe quel moment. Bref, rien ne distingue Clone Wars d'un quelconque blockbuster édulcoré. Et que dire de la qualité des images de synthèse ? On se croirait revenu à l'époque de Toy Story !
Résumons : Friends + Blockbuster + Images moches = Clone Wars. Maintenant vous savez à quoi vous en tenir.

Battlestar Galactica (1)

2009-09-24T13:46:00.007+02:00

Avec mon colloc, nous avons entrepris une intégrale de Battlestar Galactica (remake of course). On commence par (presque) le commencement, c'est à dire le 1x01. Nous avons sauté le pilote étant donné que je l'ai déjà vu 5 fois et lui 2. On connaît plutôt bien les bases de l'histoire.

1x01 - 33

Après l'attaque de la station Ragnar, la flotte est attaquée toutes les 33 minutes par les cylons. Les vaisseaux sont contraints d'effectuer des sauts PRL, ce qui empêche les hommes de dormir. Il en résulte une tension qui met à rude épreuve les nerfs des pilotes et de tout l'équipage. Les survivants commencent à comprendre ce qui s'est produit.
On commence dans le bain avec un épisode déprimant à souhait où les rescapés sont tous épuisés physiquement et mentalement. Pur récit de SF de qualité pendant 30 minutes, l'épisode embraye ensuite directement sur ce qui fera sa qualité première : poser des questions aux spectateurs. Peut-on tuer des humains parce que l'un d'entre eux est peut-être un Cylon ? C'est le dilemme auquel feront face les personnages principaux (on évitera de dire les Héros).

1x02 - Water

Une explosion à bord du Galactica anéantit une partie des réserves en eau et oblige la flotte à rechercher d'urgence une source de ravitaillement.
La particularité de cette saison est la mise en place de nombreux Loners (épisodes sans lien avec la narration principale). Water propose des thèmes inhérents à tout récit sur la survie, avec une question essentielle sur l'eau et les denrées. Les créateurs en profitent pour développer la psychologie d'un personnage torturé et ambivalent. Vraiment bon.

1x03 - Bastille Day

Alors que les réserves d'eau se font rares dans la flotte, Apollo tente de convaincre les prisonniers détenus à bord de l'Astral Queen de récolter l'eau. Cependant, la présence parmi eux d'un agitateur politique, condamné pour terrorisme, complique les plans.
Visionnage particulier puisque suivi d'un débat sur le sort réservé à des prisonniers. Alors que j'affichais ma volonté (peut-être trop naïve et humaniste) de les réintégrer au sein de la flotte (après évaluation psychologique... on sait jamais ça peut être des psychopathes), mon comparse avait une vision toute autre. C'est ce genre de discussion post-épisode qui fait de Battlestar une série si singulière. Tu m'étonnes que l'équipe de production ait été conviée à l'ONU !

1x04 et 1x05 - Act of Contrition et You Can't Go Home Again

Un accident dans le hangar force Starbuck à entraîner de nouveaux pilotes, ce qui lui rappelle l'entraînement de Zak Adama.
Double épisode classique (un personnage est perdu, les autres partent à sa recherche) mais aux ramifications "caractérielles" intéressantes. Starbuck y gagne en psychologie et Adama réagit de manière logique. Classique mais efficace.

1x06 - Litmus

Un poseur de bombe suicidaire cylon force Adama à créer un tribunal indépendant pour enquêter sur la menace cylon dans la flotte. Sur Caprica, Helo continue à chercher Boomer.
Putain d'épisode parlant métaphoriquement du McCarthysme et de l'Inquisition. La chasse aux sorcières n'est malheureusement pas assez développée (on aurait bien aimé voir des dénonciations et autres choses de ce genre). La difficulté de rythme dans la narration est un des (rares) défauts majeurs de la série : certains épisodes s'allongent, d'autres sont trop succints (Black Market notamment, dans la saison 2). A noter que le terme Litmus désigne une série de questions visant à juger favorablement ou non une personne. Bande de Communistes !

1x07 - Six degrees of separation

Une enquête sur Baltar est ordonnée lorsque Six apparait réellement, accusant Baltar d'aider les cylons à exterminer l'humanité et à détruire les Colonies.
Après quelques lignes de dialogue dans la mini-série et l'épisode 1, on rentre directement dans la question de la religion avec le personnage de Baltar. Incroyable de voir comment les scénaristes préparent le terrain (Gaius changera du tout au tout d'ici quelques temps) et manient avec autant d'ambiguité la question du déisme est brillante

L'ETRANGE FESTIVAL (9)

2009-09-13T12:08:00.004+02:00

Après avoir raté la journée de jeudi (mais vu les échos, j'ai bien fait je crois), on se rattrape avec 3 très bonnes séances.

Moon
Malgré quelques longueurs (surtout entre la révélation et la résolution des enjeux), Moon est une énorme surprise (d'autant que tout ce que j'avais lu sur le film... était faux !). Dôté d'un acteur principal solide et d'un très bon scénar, Duncan Jones livre un film efficace et poignant et utilise une situation inédite : alors que la plupart des films de SF utilisent les problèmes environnementaux comme générateurs d'histoires, Jones donne dans l'utopie avec tous les problèmes résolus par une nouvelle source d'énergie (point de départ du film). Dommage que certaines longueurs donc atténuent l'efficacité du film et que certains éléments compris par le spectateur depuis 40 minutes soient traités comme une révélation jusqu'à la fin. Mais c'est quand même très bien, même si ça ne vaut pas la claque District 9.

C'est bien simple, District 9 est le meilleur film de SF depuis Sunshine (bien qu'ils soient incomparables). En gros, on peut comparer le film de Bloomkamp à 2 autres films et un comic-book : (spoiler) Hulk + La mouche + Aliens = District 9 ! (fin du spoiler). Si ça, ça vous fait pas envie...

Clive Barker's Dread
J'avais peur d'être déçu, surtout après le franchement moyen Book of blood, mais c'est un très bon film. On ne sait pas trop vers quoi on s'aventure pendant la première demi-heure (drame ? horreur ? thriller ?) pour finalement se prendre une petite baffe dans les 45 dernières minutes avec un mélange des genres pour le moins surprenant. Je ne peux pas trop en révéler (si ce n'est que Dread s'apparente beaucoup à Tesis par moment) donc allez-y franchement.

L'ETRANGE FESTIVAL (7)

2009-09-11T19:06:00.004+02:00

Allez septième fournée !

Echo [Ekko]
Commençant comme un drame très France 2 (un Homme kidnappe son fils après que la garde de celui-ci ait été attribuée à la mère), le film de Anders Morgenthaler montre sans prévenir une facette inattendue, celle d'un Homme qui fait face à ses démons de fils pour devenir père. Au final, Echo est moins une parabole sur la garde de l'enfant comme on pouvait le craindre, mais s'intéresse plus à la descente aux enfers d'un Homme qui tente de se libérer de l'emprise de son propre père afin d'élever correctement son fils. Et la morale n'est pas celle attendue.

La malédiction du loup-garou - Le loup gris [Werewolf - Grey Wolf]
Le soucis quand on arrive dans une série TV sans connaître la mythologie, c'est qu'on ne comprend pas grand chose et qu'on y voit pas forcément l'intérêt. C'est assez dur d'évaluer cette séance.

Dirty Mind
Eh ben putain. Second volet d'une fausse trilogie (qui n'a de trilogie que le nom), Dirty Mind suit le parcours d'un homme qui change de comportement après un accident. Passant de beauf timide et renfermé à beauf extraverti, "poète" et casse-cou, il brave les dangers pour les besoins de son métier de cascadeur, ce qui donne des scènes particulièrement drôles. Car oui, le métrage est une pure comédie, hilarante par moment où Tony T/Diego déballe des choses insensées (en faisant des rimes !), manque de se tuer à plusieurs reprises et tombe amoureux. C'est drôle, frais et enjoué, et après la déception Left Bank, ça fait rudement plaisir.

L'ETRANGE FESTIVAL (6)

2009-09-10T13:54:00.006+02:00

Après un lundi spécial musique et un mardi où je n'ai pas pu faire le déplacement, Back to Étrange Festival. Malheureusement les films n'étaient pas aussi passionnants que les autres projetés...

Arrivé un peu plus tôt que prévu (2h en fait...), je profite de ce temps libre pour découvrir la Salle des collections, véritable bibliothèque du cinéma disposant de nombreux films numérisés et en accès (presque) libre. D'après le site du Forum des images, ce sont près de 5000 heures qui ont été numérisés. Pas mal. Bref, j'en profite pour découvrir Les 400 coups de Truffaut, qui m'a beaucoup plus, malgré une dernière bobine un peu faiblarde.

Book of Blood
Après le sympathique mais décevant Midnight Meat Train (si vous voulez voir des caméras qui tournent autour des trains pendant l'action, c'est votre film), Clive Barker revient avec sa nouvelle production : Book of blood. Mélangeant deux nouvelles du maître (lisez un peu ses nouvelles), Book of blood est une énorme déception, qui confond classicisme et clichés (les personnages ont déjà été 1000 fois vus) et qui met un temps pas possible à démarrer. Résultat on se fait chier pendant 1h30 avant une fin sympathique mais visible à des kilomètres depuis environ 45 minutes (surtout que la fin du film correspond à la première photo d'exploitation du film. Bravo les mecs du marketing).

Left Bank
Vendu comme une bombe, on pourrait pourtant résumer ce LeftBank à Dardenne + Lynch + Lovecraft + Dalaï Lama. Mais pour voir un peu de Lovecraft, faut s'enquiller les 80 minutes. Et le final métaphysique à deux balles est complètement con. Super. Au final, typiquement le genre de métrage qui part d'une bonne idée mais qui ne réussit pas à la développer sur 1h30.

Un petit coup de mou donc. Tout à l'heure : Echo, La malédiction du Loup-garou et Dirty Mind (second volet d'une trilogie commencée avec Left Bank. Je dois être masochiste)

L'ETRANGE FESTIVAL (3)

2009-09-08T17:58:00.003+02:00

Troisième fournée de cette quinzième édition de l'EF ! Je ne vais pas refaire le coup de Uwe Boll, ça va vous gaver.

The Children
S'il ne surpasse pas l'insurpassable Révoltés de l'an 2000 (si vous ne l'avez pas vu, foncez !), The Children est une bande étonnante. Oscillant entre l'horreur, la flippe et le comique (ben oui, voir des gamins se faire taillader par des adultes en auto-défense, ça fait marrer !), ce film de Tom Shankland nous met parfois le trouillomètre à zéro lors de séquences mémorables (la table, la tente etc.). Si certains clichés ne sont pas évités (les adultes ont un comportement étrange, les gamins font les gros yeux pour montrer leur méchanceté), on ressort ravi !

Rampage
Eh ben putain il s'est lâché le Uwe Boll ! Avec une ambiance on ne peut plus "Fuck the world", Rampage suit Bill, un jeu ado mystérieux qui pète un cable et tue tout le monde dans la rue après s'être construit une panoplie de protection. Ca tire dans tous les coins. Si le début est tout de même super fun, la suite (cadavres sur cadavres) l'est beaucoup moins (et en ce sens on peut dire que Boll a réussi son pari). On est constamment tiraillé entre la sympathie naturelle qu'on éprouve envers Bill et le rejet total de son action (encore que fusiller quelques coiffeuses ou serveurs, ça me titille bien !). Jusqu'à un final encore plus provocateur où on découvre un Bill sous un autre jour, un Bill qui nous a bien enculé avec sa pseudo-morale.

Ghosts of the civil dead
J'attendais énormément de ce second de John Illcoat (dont La route arrive bientôt sur les écrans). Certes le sujet est intéressant (le film revient sur l'escalade de tension entre les prisonniers et les gardes d'une prison haute sécurité - façon Oz) mais bordel qu'est ce que c'est chiant parfois. Il ne se passe pas grand chose et le fameux évènement est en fait un meurtre. Un seul pauvre meurtre. N'allez pas croire que j'ai envie de voir des gardes se faire trucider. Mais quand on vous ressasse pendant 1h30 "Les évènements tragiques du 25 octobre" "l'escalade qui a conduit à la violence du 25 octobre" etc., on attend un peu plus qu'un mec qui pète son cable pendant 3 minutes.

Une bonne journée en somme, malgré la (relative) déception du Illcoat

L'ETRANGE FESTIVAL (2)

2009-09-06T11:59:00.003+02:00

Deuxième journée pour l'Etrange Festival. Journée exceptionnelle qui restera dans ma mémoire de geek pour une soirée fun et chaleureuse.

Amoklauf
Oeuvre de jeunesse de Uwe Boll, Amoklauf suit quelques jours de la vie d'un tueur en série. Véritable symphonie du meurtre (la musique est omniprésente), Amoklauf est un coup de poing dans l'estomac. Objectivement mauvais (pas d'histoire, montage approximatif, etc.), le film a tout de même une ambiance malsaine incroyable et Uwe Boll fait preuve de fulgurances, notamment lors de gros plans réussis sur les yeux d'une victime. Vous n'en sortirez pas indifférent.

Vietnam, année du cochon
Pas vu. A la place on s'est incrusté avec Uwe Boll et on a bu un verre avec lui. Véridique.

Le temps du massacre

Présenté par un Franco Nero chaleureux, le film est un Western fun aux tendances nanardesques (la VF n'arrange pas) avec des dialogues au diapason ("Tout cela est très poétisé"), des plans hallucinants (Franco Nero qui fait un salto arrière) et des acteurs à mourir de rire. Bref, parfait pour une soirée bières entre potes.

Bilan plus que positif donc.

L'ETRANGE FESTIVAL (1)

2009-09-05T00:14:00.009+02:00

Première expérience pour l'EF pour ma pomme, après en avoir entendu parler des dizaines de fois. Malgré quelques défauts entendus ici et là ("C'est cher cette année !"), j'entre dans la salle avec un plaisir de fanboy. L'ouverture commence avec un gros retard évidemment. Les organisateurs arrivent : discours habituel avec suçage en règle des sponsors puis viennent deux invités de marque. Franco Nero et Bruce LaBruce, que je ne connaissais que de nom. Ils parlent dans un anglais correct et compréhensible par tous (enfin je pense) et se révèlent plutôt humble et généreux avec le public. Après ces deux discours, la séance commence. Au programme : un court, un début de docu et une Avant-première.

Logorama
Petite histoire de flics, de tremblement de terre et de prise d'otage dans un monde cerné par les marques et le consumérisme, ce court-métrage qui se donne des airs de satire anti société de consommation mais ne va pas plus loin que son pitch de départ. Ca n'est pas "La grosse claque de Cannes" vantée par le prez du festival. Dommage. Il vaut mieux revoir Invasion L.A. pour un sujet parfois similaire.

John Phillip Law
Un docu inachevé sur le comédien de Barbarella, Danger Diabolik! et plein d'autres trucs super chouettes. Construit comme une discussion avec l'acteur, ce dernier se trouvait être un type chaleureux à l'écran. Dommage qu'il soit parti l'enfoiré.

Panique au village
Déçu. Le principe ne convient pas au format long. Du coup, entre deux blagues (drôles, faut pas cracher dans la soupe), le temps est looooong. Et les 25 dernières minutes ne sont pas drôle, sans compter l'épilogue carrément inutile.

Bref, pour ce baptême de l'EF, ça commence pas fort. Enfin si, j'ai vu Franco Nero. Et Monsieur notre Président était là. Pas Sarko ! Christophe Salengro ! Il a même signé un tographe à un pote.

Demain, un Fulci, un Boll et un docu sur le Vietnam sélectionné par LaBruce. En espérant que le résultat soit un cran au-dessus de ce démarrage mitigé.

PERFORMANCE CAPTURE

2009-09-02T20:14:00.004+02:00

Pour ceux qui l'ignorent encore (et c'est compréhensible vu le peu d'articles relayés par les médias), une jolie révolution s'opère dans le cinéma. J'ai nommé la performance capture. Je confondais au début avec la Motion capture, qui n'en est qu'une composante. Aussi je ne voyais pas vraiment pourquoi certains s'excitaient. Quand j'ai appris que Cameron, Spielberg et Jackson étaient comme des enfants (véridiques) quand ils ont découvert cet outil (sans compter Zemeckis, le parrain de la méthode, Fincher et autres) et que Dupuy, Bordas et Djoumi s'y intéressaient de près, ma curiosité a été titillée. Et puis le prochain film de Wright, qui s'annonce dantesque, a recours à cette nouvelle méthode. Lorsque j'ai découvert les tenants et les aboutissants de la Percap, une seule chose m'est venue à l'esprit : "Putain d'Frak de sa mère la tepu !". Et j'ai compris la pertinence du mot "révolution". Car une chose fondamentale change avec la percap : la façon de faire un film.

Dans un premier temps il ne faut pas confondre Motion capture (mocap) et Performance Capture (percap), l'une étant une composante de l'autre. La motion capture est le fait d'enregistrer les mouvements des acteurs dont le corps est envoyé sur PC en mode "fil de fer" puis transformé à loisir par les graphistes numériques. L'intérêt est multiple. Déjà l'acteur n'a aucune limite que ce soit de temps, de lieu, de marquage et de jeu. On est dans le pur théâtre et ils peuvent se donner à fond sans être emmerdé par les "cuts !" successifs nécessaires à la fabrication d'un plan de quelques secondes. Les scènes jouées sont entières. De plus, plus besoin de maquillage, de costumes... l'équipe n'attend plus des plombes l'acteur pour commencer à tourner.

Venons-en ensuite à la performance capture en elle-même. L'ordre de tournage s'en trouve modifié puisque le réalisateur pense à sa réalisation après avoir tourné. Il n'a plus besoin de penser au millimètre près chaque plan pour économiser du temps et de la pellicule. Après avoir démarré la production design, les infographistes (si c'est comme ça qu'on les appelle, je ne suis pas expert), construisent les décors numériques. Sauf qu'à l'inverse d'une production ordinaire bardée de CGI, ce sont les acteurs qui sont intégrés dans un ensemble, et non plus les décors construits autour de l'acteur ayant joué devant un fond vert. Le réalisateur voit directement le résultat PENDANT le tournage sur son écran. Et grosse nouveauté, il peut modifier tout ce qu'il veut, que ce soit un élément du décor ou carrément la place de la caméra VIRTUELLE (avec un joystick... énorme !) afin de construire tranquillement son film après le tournage en bougeant le décor comme il veut. Un peu comme si Les Sims devenaient un film en fait.

Regardez cette vidéo. Deux séquences sont intéressantes. La première dure quelques secondes au début. Vous voyez Ray Winstone jouer. Remarquez que la caméra ne bouge pas d'un poil. Regardez ensuite le rendu à l'écran. A la 6ème minute, vous voyez carrément la méthode en direct avec Zemeckis qui gueule "Cut"... en salle de montage !

Voici une photo de Avatar en tournage (énorme métaphore du procédé de la percap ce film...), suivie d'une photo du tournage de la scène. Vous remarquez quelque chose ?

CONGES

2009-08-27T20:41:00.005+02:00

Wouhou ! Un petit week-end à Nice ! Sauf que quand il fait 39°C au soleil et 30 à l'ombre, on recherche un endroit encore plus frais. Je vous le donne en mille : une salle de ciné !

Inglourious Basterds

Après le très sous-estimé Death Proof / Boulevard de la mort (ce film est une bombe), Tarantino revient en grande forme pour nous foutre sa claque dans la gueule. Non seulement le film en lui-même est une véritable tuerie (un mexican Standoff chez les nazis, fallait le faire quand même) mais il introduit concrètement le cinéma comme une arme dangereuse pouvant servir de propagande (La fierté de la nation) ou alors comme ultime rempart contre le fascisme. Il l'avoue lui-même via Brad Pitt dans le final : "This is my masterpiece". C'est pas du niveau de Kill Bill mais ça s'en rapproche.

Numéro 9
On est refroidit avec Numéro 9 où 9 petites "poupées" sont sensées sauver l'humanité (?). 9 clichés devrait-on dire. C'est du 1000 fois vu : du grand méchant qui devient gentil et se sacrifie au bon pote en passant par le (double) sidekick pas drôle, j'ai rarement vu autant de clichés dans un film. Et puis servir la soupe à Tim Burton, ça me dépasse...

Bon en ce moment je suis un peu pris par mon taf et le soir je suis un peu crevé, donc ce blog n'est pas des plus actifs. Mais je vous garantis qu'à la rentrée, tout rentrera dans l'ordre. Enfin je crois.

BLACULA

2009-08-16T17:24:00.003+02:00

En 1780, Prince Mamuwalde, roi d'une nation africaine, se rend chez le comte Dracula dans le but de s'en faire un allié dans l'abolition de l'esclavage. Devant le refus de ce dernier, Mamuwalde s'énerve. Excédé, Dracula mord le roi africain et le condamne à une soif de sang éternelle, dans un cercueil gardé par la femme de Mamuwalde, Luva. Deux siècles plus tard, un couple achète le château de Dracula et ramène le cercueil en vue d'en faire une antiquité.

Bobine culte de la Blaxploitation, Blacula est un long-métrage étrange oscillant entre le portnawak et le vrai film flippant et bien foutu. Ce ressentiment apparaît clairement dans le film puisqu'il divise Blacula en deux parties de même durée. La première est donc purement Z. Mamuwalde est invité par Dracula (les deux parlant parfaitement anglais) et ce dernier transforme le monarque africain en Vampire. Les maquillages font penser à du Jean Rollin. Et William Crain tente de se la jouer concerné par l'esclavage et la traite des noirs (sauf que ça dure à peu près 3 secondes dans le film ).

200 ans plus tard, un couple (homosexuel) rachète le château. Et attention, William Crain il est peut-être pro-black, mais qu'est-ce qu'il y va dans la caricature gay. C'est à se pisser dessus. Et vas-y que je fasse des gestes efféminés, des "darling" avec une voix fluette et des grosses allusions viriles super grasses . L'un des deux gars ouvre le cercueil en tapant avec un pied de biche sur le cadenas. Blacula sort et les suce. Le sang évidemment. Non mais oh ! Pervers !

Après le film perd clairement en rythme. On suit l'enquête (incohérente) d'un flic qui essaye de résoudre le mystère de la mort du couple. Incohérence car le mec ne se rend compte qu'à la fin que la clé du mystère se trouvait peut-être là ou étaient morts les deux amants . De plus le film montre clairement les limites de son budget en filmant toutes les séquences d'intérieur dans le même appart (c'est bien Los Angeles : au même étage d'un immeuble, il y a un labo de chimie, un commissariat et une morgue !).

Mais à moment, avec la scène de la morgue en fait, le film change complètement de ton. Comme si le réalisateur changeait lui-aussi. Ca devient pas mal inquiétant et tragique et le sérieux de l'ensemble n'est plus ridicule. Le final est assez bien torché. Bref, un bon petit film, si vous arrivez à survivre aux 30 minutes un peu ennuyantes au milieu du film.

Reviews (2)

2009-08-16T16:59:00.003+02:00

Aguirre la colère de Dieu
Le film de Herzog vaut surtout pour la prestation hallucinante de Kinski qui campe un Aguirre fou à lier qui se croit suivi par tous ses fidèles mais qui au final se retrouve bien seul. Herzog fait preuve d'une ironie certaine dans le traitement des personnages puisqu'il montre que seul Aguirre l'intéresse, les autres peuvent mourir comme des merdes, cela ne changera rien au propos du film.

Dolls.
Un Stuart Gordon chiant, mal torché et caricatural.

West Side Story
Une vraie comédie musicale ou la musique fait vraiment partie de la narration (et ce dès le début où les personnages sont représentés comme des animaux par leurs chants et leurs danses). Ya un problème de rythme (le film aurait pu être raccourci) mais ça vaut toujours mieux que les comédies musicales qu'on nous balance aujourd'hui.

101 dalmatiens
A une époque, Disney n'avait pas besoin de Pixar pour faire des bons films.

Howard le Canard
Je crois que tout a été dis sur ce merveilleux film ^^

Demon Knight
Le premier film de la trilogie estampillée "Contes de la crypte" est un sympathique petit B sans prétention avec des acteurs qui cabotinent à mort (Billy Zane is on fire !), des effets gorasses bien foutus et une Jada Pinkett en petite culotte. Par moment un peu risible, il tient néanmoins la route. Ce qui n'est pas le cas de...

Bordello of Blood
Film de vampires prévisible et ridicule par moment, il tente de se la jouer horreur/comédie mais échoue sur les deux tableaux (les blagues sont toutes plus nulles les unes que les autres... sauf celle de l'eau bénite qui m'a bien fait marrer).

Virtuality
Grosse déception de la part de Ron Moore. Sa nouvelle création a l'allure d'un sous-Sunshine qui se la joue intelligent. Si ça représente le post-Battlestar Galactica, on n'a pas fini d'être déçu.

ELMER LE REMUE MENINGES

2009-08-09T18:33:00.004+02:00

Le jeune Brian coule des jours heureux avec sa copine Barbara et son frère. Mais une créature du nom d'Aylmer/Elmer vient à sa rencontre en lui proposant une substance dont Brian deviendra rapidement accro. Pendant que le jeune homme est plongé dans des trips toujours plus profonds, Aylmer mange des cerveaux.

Et voilà un sympathique petit film pas con du tout. Après Basket Case, Henenlotter reprend la thématique du duo en symbiose causant le malheur autour de lui. Si Duane et don frère ont vécu attachés puis ont été séparés après la naissance, c'est le contraire ici puisque une relation quasi organique, voire sexuelle, s'installe entre Brian (anagramme de ... brain) et Elmer/Aylmer. Seulement le jeune Homme est trop occupé à planer pour s'apercevoir que la créature bouffe des cerveaux. C'est ici que le titre prend son double sens. Si l'on peut penser avant de voir le film que Brain Damage renvoie aux cerveaux mangés par Elmer, il renvoie également aux dommages psychologiques et physiques que crée la drogue de la créature. Vient alors la seconde thématique, celle de la dépendance à la drogue. Brian deviendra tellement accro qu'il préfèrera nourrir sa créature en lui laissant la vie de certaines personnes plutôt que de perdre le précieux liquide bleu (que Elmer lui verse directement dans la cervelle). Frank Henenlotter ayant grandi dans les quartiers glauques de N-Y City (cela se voyait déjà dans Basket Case), il parle inconsciemment d'une réalité sombre et trash de sa ville : celle des camés, des filles de joie, des motels miteux, des suicides et des meutres.

Les séquences gores sont plutôt réussies. Cependant Henenlotter a voulu intégrer des effets digitaux et a un peu foiré son coup. Pas tant à cause de la qualité de ses effets un peu cheapos, mais il n'a pas su les intégrer correctement à la narration. Par exemple la scène du métro est assez représentative. Les acteurs sont obligés de jouer bizarrement pour permettre l'incrustation d'un Elmer numérique. Mais c'est une goutte d'eau dans l'Océan quand on regarde le film dans son ensemble.

Brain Damage est une vrai réussite. Un film triste et pessimiste sur la drogue, au final curieux mais totalement dans le propos du réalisateur.

DEXTER SAISON 3

2009-08-06T19:53:00.002+02:00

Série réjouissante, Dexter vient de terminer sa troisième saison, finement écrite et dans la droite lignée des précédentes. Après les thématiques de la fraternité et de la paternité (respectivement saisons 1 et 2), la saison 3 répond de façon assez fine à la première puisque Dexter rencontre un "frère d'arme" auquel il se confie et avec qui il partage ses activités meurtrières. Seulement l'amitié selon les scénaristes, c'est un peu particulier et ambigü comme le témoignent la tirade de Dexter dans le dernier épisode (ATTENTION SPOILER) "He was my best friend. I killed him". (FIN DU SPOILER).
La saison 4 va également répondre à la seconde saison mais dans une logique inversée puisque le père ne sera pas le même.
Je vous parie que la dernière saison de Dexter verra le fils Morgan, dans une logique Oedipienne, tuer son père afin de s'accomplir.
Si ça c'est pas de la série !

TERABITHIA - Rapido

2009-08-02T22:35:00.006+02:00

Vendu comme un ersatz de Narnia et Cie (et donc évité par l'auteur de ces lignes), Le Secret de Terabithia est pourtant tout autre chose. Le monde décrit par le réalisateur n'existe que dans l'imagination des deux jeunes héros du film, et c'est ce qui fait son charme. En effet, Terabithia est une véritable ode à l'imagination ("Keep your mind wide open") et fait des contes la seule véritable échappatoire d'un univers réel glauque, mauvais et décevant. Les personnages principaux s'évaderont tout au long du film et imagineront les plus belles aventures où le Merveilleux reprend son sens initial.
Cependant il y a quelques défauts dans ce Terabithia, notamment dans le lien entre le monde réel et le monde imaginaire qui ne sont jamais liés narrativement. Chaque soir, le couple de héros s'évade et vit des aventures qui n'ont aucun lien, allégorique ou métaphorique, avec ce qu'ils vivent en réalité. Reprendre les moments cruels de leur journée scolaire et les transformer en Aventure afin qu'ils puissent les vaincre et grandir aurait été plus judicieux. Dommage. Il y a également les quelques clichés passablement énervants comme cette idéalisation de la famille de Leslie (mouais...) et la caricature de la grosse pouf de l'école (et vas-y que je te jette des regards darks t'as vu). Il faut aussi compter sur des effets visuels assez ratés et une réalisation pas toujours à la hauteur.
Mais je préfère voir 50 Terabithia, très anti-Disney (la fin du film est d'une tritesse incroyable...) plutôt qu'un nouveau Narnia faisandé.

Et puis ces yeux... ces yeux !!

BEAR FRUITS

2009-07-29T22:24:00.007+02:00

Hier est sorti le double-album Battlestar Galactica Season 4, de Bear McCreary. Véritable monument musical, symphonie cohérente, montée en puissance jamais vue pour une série TV, l'oeuvre de McCreary se doit d'être félicitée.

C'était pourtant mal parti avec la Bande son du pilote (Richard Gibbs - 2003), où un thème parvenait à être intéressant mais tellement recyclé au sein d'un album médiocre qu'on frôlait la gerbe.

La première saison voyait la venue de Bear McCreary, 24 ans. Devant se dépêtrer du précédent score, il livre un score bancal mais plutôt intéressant, d'où sortent des symphonies magnifiques (le thème des Adama fera date...) et où d'autres sont un peu trop hors propos (Battlestar Muzaktica). Il se perdait également dans toute la dernière partie où on avait l'impression d'entendre la même symphonie 3 fois de suite... Compte-tenu du fait qu'il a du en chier pour faire la transition avec Gibbs, on peut tout de même le féliciter.

Pour la seconde saison, McCreary est libre. Totalement. Et ça se ressent. Entre reprises des anciens thèmes (Reuniting the Fleet est la copie carbone de A good Lighter) et réutilisation d'instruments (les tambours japonais un peu trop utilisés dans la saison 1 servent ici surtout le morceau Scar) McCreary offre au spectateur attentif une véritable explosion symphonique. Quel amateur n'aura pas tremblé à l'écoute de Martial Law ? Qui n'aura pas frissonné avec Roslin and Adama ? On sent McCreary encore un peu hésitant mais la saison 3 laissait présager du meilleur.

Du bon il y en a eu dans cette saison 3 qui découle naturellement de la saison 2. Essentiellement composé de nouveaux thèmes (le guerrier Kat's sacrifice, le bouleversant - et peut-être meilleur thème de toute la saga - A distance sadness, le mythologique Temple of five) qui aboutissent à l'impensable : une reprise de Bob Dylan avec All Along the Watchtower. Se réappropriant à la manière de Hendrix le morceau du chanteur folk, McCreary donne un élan supplémentaire à la saga et réussit ce qu'il avait tenté de faire avec la première saison : donner une universalité musicale au propos de Ron D. Moore.

Et arrive la bande-son de la saison 4. Car tout à une fin. Et c'est avec une cohérence inouïe que le compositeur achève la saga. Tous les thèmes sont là, sur un double album (dont un dédié uniquement au grand final de la série) et explosent dans une symphonie magistrale. Après quelques nouveaux thèmes sompteux (le Gaeta's Lament me donne encore des frissons), un morceau dont je tairai le nom donne au thème des Adama toute la puissance qui lui revient. De même Roslin and Adama reunited qui mixe plusieurs thèmes pré-existant, parfois en même temps. Le morceau The Signal donne à l'ensemble une proportion épique innatendue et achève de rendre cet album inoubliable.

Et maintenant le thème live "Kara remembers".

"Comme quoi on peut avoir un prénom à la crétinou et être un Fraking de génie ! " John Fitgerald Willis.

LE CINEMA INDE C TRO COOL LOL

2009-07-28T21:19:00.005+02:00

Attention cette phrase est tirée de faits réels :
"Oui mais nous, on est allée voir Juno".

Je ne sais plus dans quel contexte exact elle s'insérait (enfin je sais qu'on parlait cinéma, et que j'attendais beaucoup un film je ne sais plus lequel. Surement The Mist qui sortait peu après) mais toujours est-il que je recevais cette phrase en pleine gueule. Alors évidemment ça ne m'a pas envie de voir Juno (prendre une voix fluette), même si Juno (voix fluette) c'est indé (voix fluette bobo).

Mais ça raconte quoi Juno ? Une jeune ado tombe enceinte et pense faire adopter son bébé. Là où on aurait pu attendre une réflexion caustique sur la maternité de nos jours, sur le concept de famille et d'amours adolescente. Au lieu de cela on nous balance un film sur rien avec une ado qui balance des phrases "décapantes" (et pas drôles) pour se la jouer cool. Sans aucun point de vue, sans aucune mise en scène, Jason Reitman livre une succession de scénettes sensées faire rire ou émouvoir. Mais rien ne se passe.

On en revient à Little Miss Sunshine et sa soit-disant fraîcheur.
Fraîcheur ? Ah bon ? Une mère névrosée, une petite fille histérique, un ado renfermé, un père sensé écrire un bouquin, morale "sois belle, sois toi" etc. C'est hyper frais dites-moi.

Tout ça pour dire que le ciné Indé (tel que le disent les bobos) n'est en aucun cas une marque de qualité. Et que le grand méchant Satan Oliwoud comporte des putains de films. Alors quand vous verrez Juno. Voyez-le en tant que film. Et pas en tant que "ciné indé oua t'as vu !". Parce que ça, ça fait très Sundance.

Comment paraître ridicule en essayant de se mettre une communauté dans la poche par Jason Reitman.
"Le maître de l'horreur : HGLewis ! - Attends tu déconnes ! C'est Argento ! [...] - Putain mais t'avais raison ! C'est mieux que Suspiria"

Et si vous voulez voir du vrai Indépendant, regardez un Troma, qui n'est ni sponsorisé par Sunny Delight, la Fox ou Tic Tac.

"Oui mé de toute façon t qu'un con aigri lol"

Lol en effet.

STAR TREK VII

2009-07-21T22:15:00.003+02:00

GENERATIONS

Les officiers de Starfleet à la retraite James T. Kirk, Montgomery Scott et Pavel Chekov sont invités à l'inauguration du nouveau vaisseau : l’Enterprise NCC-1701-B. Lors de la parade le navire reçoit un appel de détresse de deux vaisseaux transportant des réfugiés El-Aurian dont la planète vient d'étre ravagée par les Borgs pris au piège dans le Nexus, un ruban énergétique mystérieux. L'opération de sauvetage tourne mal et, si l'Enterprise B est sauvée, le capitaine Kirk est porté disparu.

Soixante-dix ans plus tard les membres de l'équipage de l’Enterprise NCC-1701-D sauvent un physicien nommé Tolian Soran de la destruction de sa base stellaire. Ce dernier fera tout pour que son plan, qui passe par la destruction de l’Enterprise et de millions de personnes, aboutisse.

Spoilers

Il y a un truc que je comprends pas. Star Trek c'est connu et ultra-populaire (sauf en France) nan ? Quand vous avez une équipe composée de personnages cultes et des acteurs dédiés à ces personnages, qui font vivre pendant des années des aventures où l'Homme n'est jamais allé, vous vous devez de finir en fanfare, de tout faire péter, de rendre hommage à cet équipage qui vous a fait vibrer, de faire rire et pleurer le public. Bref un final de sa mère la guedin. Et bien non. La Paramount en a décidé autrement et a demandé à ce que le Star Trek suivant The Undiscovered Country soit concentré sur Picard. Euh. Vous voulez pas une transition convenable plutôt que ce truc à l'arrache ? Parce que Ron D Moore avait un sacré récit, mais il a du l'adapter aux demandes de la Paramount et du coup le récit est haché. Kirk devient un personnage poids lourd qui crèvera comme une merde à la fin du film et le reste de l'équipage original n'apparaît pas (Fraking mais Spock quoi !). Transition douloureuse pour une saga qui mérite mieux.

Le soucis est que le reste du film est vraiment bon (même si je n'ai pas la même affection pour les NG que pour les TOS) et mélange subtilement réalité virtuelle, saut dans le temps et étude des personnages.

Il y aurait un film pour dire au revoir à TOUT l'équipage TOS, puis un film reprenant les thématiques de ce Generations là oui. Ou même un film mêlant les deux équipages et bien foutu, ça aurait été bien. Mais là, c'est pas possible.

STAR TREK VI

2009-07-21T22:12:00.003+02:00

THE UNDISCOVERED COUNTRY

Praxis, une lune minière klingonne et centre stratégique, explose, mettant à mal les fondations de l'empire klingon. Le chancelier du Haut Conseil Klingon, Gorkon, choisit de normaliser les relations avec la Fédération des planètes unies et de mettre fin à une guerre larvée de soixante-dix ans. M. Spock, le capitaine Kirk et l'équipage de l'USS Enterprise partent escorter le vaisseau de Gorkon jusqu'au centre de conférence où il doit signer l'accord de paix. Au moment même de leur rencontre, et juste après un repas mémorable et difficile partagé par les deux délégations sur l'Enterprise, des torpilles apparemment tirées du vaisseau de Kirk touchent le Kronos, le vaisseau amiral klingon et le chancelier est abattu.

Malgré le semi-échec critique et public de Star Trek V - The Final Frontier, les producteurs ne se découragent pas et continuer à surveiller la poule aux oeufs d'or. Les 25 ans de la saga approchant (1991), un nouveau Star Trek fut commandé et les tensions entre le bloc de l'Est se faisant moins fortes, Leonard Nimoy eu l'idée d'en faire une allégorie de la fin de la guerre froide. Star Trek reprend ainsi la direction de la série, à savoir une métaphore de son époque, ce qui permet de faire remonter la qualité de la série. Ainsi, le film débute par l'explosion de Praxis (qui dérive d'un autre nom du Marxisme - merci Wikipedia), qui fera penser à Tchernobyl, gros bouleversement ayant conduit le bloc de l'est (ou l'empire Klingon) à se rapprocher de l'Occident. Gorbatchev (Gorkon) en sera le principal instigateur mais la méfiance entre les deux blocs sera toujours présente.
De plus, les auteurs parlent de l'art (et surtout de la littérature) comme principe fédérateur des peuples (le mot Terre inconnue venant d'un vers de Hamlet - "Vous n'avez pas aimé Shakespeare, tant que vous ne l'avez pas entendu en Klingon") et le vers "To be or not to be" est l'un des plus connu au monde.
Mais le film n'oublie pas d'être un beau spectable de SF et on assiste à des scènes très sympathiques : perte de gravité, combats spaciaux, prisons reculées etc. C'est pas le plus transcendant, mais c'est le meilleur Star Trek depuis... The Wrath of Khan, réalisé également par Nicholas Meyer.

STAR TREK V

2009-07-21T22:09:00.003+02:00

THE FINAL FRONTIER

XXIIe siècle, Sybock, demi-frère de Spock s'empare de l'Enterprise. Agissant en véritable messie, celui-ci oblige l'équipage à traverser la grande barrière spatiale afin de gagner le centre de l'Univers. Sa quête ? Découvrir Dieu...

Haï par la majorité des fans de Star Trek (même dans Big Bang Theory), ce cinquième épisode est surtout connu pour les problèmes de Shatner avec la production. Ces problèmes, relatés dans un livre écrit par la fille de Shatner, auraient dénaturé le film qui ne ressemblerait en rien aux intentions de départ ? Pourtant je me demande si Shatner était prêt à supporter le poids d'un Star Trek, entreprise (jeu de mot inside) somme-toute assez fragile (on se souvient de la transformation de la saga en spectacle famillial avec Leonard Nimoy). En l'état, si ce Star Trek V se suit sans déplaisir, on s'aperçoit avec effroi au bout de 70 minutes que les auteurs ont simplement repris le concept religieux du premier film et l'ont complètement transformé pour en faire un manifeste cul-béni. De plus le film n'a pas de fin ! Des enjeux sont effleurés mais ça ne va pas plus loin. C'est vraiment dommage, car le film fourmille de bonnes idées (comme ce passage très Magicien d'Oz). Reste la musique de Jerry Goldsmith.

IDIOCRACY

2009-07-16T19:52:00.002+02:00

Joe Bowers, un soldat américain tout ce qu'il y a d'ordinaire, est choisi pour une expérience top-secret de l'armée. Il est mis en sommeil profond pour une durée de 1 an. Mais l'expérience tourne mal et Joe est oublié. Il se réveille en 2505 et découvre que le QI moyen de la population a chuté... drastiquement. Il se retrouve être l'Homme le plus intelligent de la Terre.

Mike Judge a vu l'avenir. Et l'avenir ce n'est pas Star Trek, Minority Report ou même l'avenir façon K.Dick. C'est pire. C'est la population abrutie par son environnement, qui ne prend même pas conscience des mensonges que les médias leurs vendent (L'eau a été remplacée par une boisson énergisante... ça me rappelle les yaourts 0% et les lotions anti-acné). Population croûlant sous la publicité (qui orne même les vêtements), qui n'a pas ouvert un livre (et ne sait quasiment plus lire), ne pense qu'au cul, n'arrête pas de parler de prouts et autres blagues régressives ("Où sont les toilettes ?" "Ah ah toilettes. Ah. Ah. Prout. Ah. Caca prout. Ah ah ah." "..."), regarde des combats à mort en rigolant...
Le réalisateur a rempli son film de mini détails qui étayent son propos :
- un film ultra populaire où on voit la photo d'un popotin pendant 90 minutes avec des bruits de pets (oscar du meilleur scénario)
- des montagnes de détritus
- des canapés-toilettes devant la télévision
- des politiques élus n'importe comment et considérés avant tout comme des Rock Stars.

Et puis un film qui dès le début explique pourquoi il y a autant de gros beaufs sur terre, c'est énorme ! En gros, les gens intelligents réfléchissent tellement aux conséquences de la parentalité qu'ils n'ont plus le temps de concevoir un gosse. Les beaufs en produisent par dizaines.

Bref, ça tue.

Back in da hood

2009-07-14T19:20:00.011+02:00

Un mois d'absence. Nondidjou. Ca fait plaisir de retaper un peu sur son clavier. Bon alors, petit tour d'horizon des derniers films que j'ai vu. Dans l'ordre s'il vous plait. Par contre, très rapido.

JUIN

Happy Feet
Quand Georges Miller (Mad Max quand même...) fait un film d'animation, il ne tombe pas dans le Dreamworks avec des prouts et des rots à tous les étages. Non il donne un film intelligent et sensible. Si le message environnemental a parfois du mal à passer et si on est encore loin d'un Pixar, Happy Feet reste un très bon cru. Tous les gosses devraient voir Happy Feet.

Coraline
Un petit soucis de narration (1h d'exposition, 30 minutes de résolution avec des nouveaux enjeux en prime), mais une merveille d'animation et d'histoire.

Les promesses de l'ombre
Pas aussi définitif que History of violence, le nouveau Cronenberg est un très bon polar sur l'identité, traversé par des scènes maousses (wo putain le sauna).

Speed Racer.
Mal vendu. Mal considéré (digne des halls à jeux vidéo pédophiles 80). Speed Racer est pourtant une révolution dans l'histoire du cinéma puisqu'il invente carrément une nouvelle narration cinématographique en adaptant les imageries du manga et du Jeu vidéo. Go Speed ! Go !

Religulous
Si Bill Maher adopte parfois la même méthode que ceux qu'il combat (surtout dans son final), ça fait du bien de voir un peu de liberté de ton dans le cinéma.

Across the Universe
Une comédie musicale c'est jamais facile à faire. Heureusement, Julie Taymor s'en sort bien en prenant en compte chaque chanson des Beatles dans la narration. Et ce n'est pas juste un faire valoir pour le groupe de Liverpool, mais bien une métaphore des Quarrymen et de leurs propos. D'ailleurs, il manque quelques grands tubes des Beatles, nouvelle preuve que ce n'est pas qu'un véhicule commercial.

Werewolf, the devil's hound
Fauché. Mal joué. Scénar pourrave. Bienvenue dans la série Z. Mais les réalisateurs semblent vraiment y croire, ce qui nous fait adhérer à l'entreprise.

Sunshine
Toujours ce même monument sur la science et la religion.

Transformers 2.
Big ! Boum ! Ah ah ah ! MeganFoxauralenti ! Big ! AAaaaaaaaaaah ! I am Megatron ! Bang !
Forcément...

Fright Night / Vampire, vous avez dit vampire
Si elle reste très imparfaite, cette petite péloche des années 80 (aaah ces coiffures) mérite qu'on s'y attarde.

Vertige
Bonne petite surprise. La partie du vertige déçoit un peu tandis que la suite du métrage, dans les bois, surprend par sa réussite. Pas de quoi crier au génie, mais en France, c'est pas si mal.

Angles d'attaque
Un scénar qui marche à l'esbrouffe et qui ne va jamais au bout de son concept.

JUILLET

Zoolander
Une comédie conne comme on les aime, parasitée (peu souvent heureusement) par ce gros naze de Will Ferell, le mec le moins drôle de la Terre.

Terror Toons 2
Une série Z cartoonesque complètement assumée, gore et jubilatoire, quoiqu'un peu rébarbative au bout d'un moment.

Very Bad Trip (coup de gueule contre le titre "français" stupide)
Une comédie populaire drôle et de qualité. Ca faisait longtemps.

Postal
Un film complètement immoral et où tout le monde en prend pour son grade. On ne va pas cracher dessus !

La famille Tenenbaum
Un film à l'humour pince-sans-rire sur l'amour familial comme unique remède à la névrose. Et quelle brochette d'acteurs putain !

Pusher 3
Moins définitif que le second épisode, il en demeure pas moins un sacré morceau de péloche froide, triste et violente. Encore des frissons tiens.

Poultrygeist
Le monde a besoin de mecs comme Lloyd Kaufman.

Idiocracy
Sorti sous le titre "Planet Stupid" en France (hum), le film de Mike Judge est une sacré satire sur l'environnement de l'Homme : pub, politicards, argents et sexe. Judge, véritable devin ? Peut-être.

PUMP UP THE VOLUME

2009-06-14T22:24:00.003+02:00

Ecrit et réalisé par Alan Moyle
Genre : Drame cathartique
Avec : Christian Slater
Année : 1990

Branle-bas de combat ! Voici le film qui aurait pu être une suite à Breakfast Club si les personnages de ce dernier avaient décidé d'agir après avoir extériorisé leur rancœur et leur malêtre !

Harry est un lycéen apparemment sans histoire qui vient d'emménager dans une nouvelle ville. Utilisant une radio, il émet sur une fréquence pirate et verse toute sa rancoeur à propos d'un monde cynique et des adultes qui ont oublié qui ils étaient 20 ans auparavant. Seulement, il ne sait pas que son émission sera écoutée par de plus en plus de jeunes qui se reconnaissent chez cet animateur pirate, ce qui ne plaira pas aux autorités et aux parents.

Si je m'attendais à ça ! 1h30 d'émission subversive où les jeunes peuvent s'exprimer librement, s'affirmer et gerber tout ce monde cynique. Le propos peut paraître facile mais il est beaucoup plus transgressif qu'au premier abord.

Teen Movie
Harry représente le nouveau jeune. Celui d'une majorité silencieuse. Celui que la société a placé là sans lui demander son avis, alors qu'il voudrait faire autre chose. Celui qui est au centre d'une société consommatrice abusive qui n'écoute personne alors qu'elle affirme le contraire. Celui qui tente de s'extirper d'une société ultra-sécuritaire qui ne veut plus de lui. Alors forcément ça plait à certains. Mais ça dérange d'autres personnes. Harry est devenu le poil à gratter. Les adolescents l'écoutent de plus en plus à travers leur radio et le traitent comme un (super)héros. Devenu malgré lui un chantre de la liberté d'expression, il s'exposera au courroux de la société qui va vouloir le mettre hors d'état de nuire. Bref, PUTV est un Teen Movie, un vrai, dans la directe lignée d'un film de John Hughes, qui confronte l'adolescent avec sa vraie nature et lui ordonne de se sortir de la pouet en provoquant un raz-de-marée.
Le point commun avec John Hughes ne s'arrête pas là, puisque comme dans Breakfast Club, la musique est un véritable point de ralliement, un art fédérateur... que les autorités s'empresseront de brader.
On peut également voir un chantre de liberté, et pas seulement d'expression. La liberté tout court : dire des insultes, faire l'amour, pêter, se masturber, gueuler, chanter, faire des graffitis... Il y a une vrai esprit de liberté réjouissante et bon sang ça fait du bien !
Ca change d'American Pie.

Bonnie and Clyde et Spider-Man
Il est intéressant de faire le lien entre Harry et sa nouvelle copine d'un côté, et le couple de gangsters de l'autre. Mais au lieu de trouer des corps, ils trouent un système dans lequel ils ne se reconnaissent pas. Ils sont tous recherchés par la Police qui les traite comme des dangereux criminels. Et dans les deux cas, la part féminine du duo est celle qui tombe amoureuse du personnage et pas de l'Homme en lui-même. Cela va pousser Harry à aller encore plus loin, mais cela entraînera également sa chute. Un couple de gangters, ou de super-héros. Car oui, on peut considérer Harry comme un super-héros de par son traitement iconique.
Peter Parker le jour, il change de costume la nuit et devient Happy Harry Hard-on. Son identité est inconnue et il est activement recherché par les autorités, qui le considèrent comme un vilain canard défiant la loi.

Talk Hard.
Steal the air.
Pump up the volume.

So be it.

THE HATH OF FANS

2009-06-13T17:09:00.003+02:00

Je viens de mater The city on the edge of forever, histoire classique de voyage dans le temps. Si l'épisode en lui-même est très prenant et le final extrêmement émouvant, il y a une chose qui me gêne. Kirk voyage dans le passé afin de retrouver un McCoy devenu fou. Il y rencontre une femme du secours populaire. Mais d'après Spock, cette femme devait mourir. L'annulation de sa mort va provoquer la victoire des nazis en 39. Dès lors je me dis "Oua Fraking ! Qu'a-t'elle pu faire pour permettre aux nazis de remporter la guerre ?"
Elle a rejoint un groupe pacifiste anti-guerre.
Ah ouais.
Donc rejoindre un mouvement pacifiste serait mauvais et anti-patriotique c'est bien ça ? Ca m'étonnait de la part de Roddenberry. Je croyais pas si bien dire puisque la page wikipedia de l'épisode narre les problèmes rencontrés et l'obligation de réécrire le scripte en y intégrant le sous-texte des mouvements pacifistes anti-guerre du Vietnam.

Part of the reason for this controversy was a subtle but important change in Edith Keeler's character. In the original script, she was a social worker with a vague hippie philosophical bent, while in the final version, she was changed into an all-out war protester. The version that was aired carried the implication that anti-war movements were harmful to the future of humanity. This was particularly aimed at the anti-Vietnam movement that was gaining momentum at the time. When producer Robert Justman was asked if the episode was intended, "to have the contemporaneous anti-Vietnam-war movement as a subtext," he replied, "Of course we did." This new thematic element criticizing the anti-war movement ran counter to Ellison's strongly held anti-war views, established in many of his writings.

Seulement ça aurait pu être un incident isolé dans la série, si ce n'est que cet épisode est le préféré de beaucoup de fans, et est même premier dans la liste de deux magazines américains. Oula. Du coup, grosse remise en question de la crédibilité des fans, ceux qui pensent avoir tout compris, ceux qui disent que Star Trek est une série pacifique et en avance sur son temps blablabla... mais qui considèrent cet épisode comme un must. Soit ils sont aveugles et hypocrites et ne voient que le côté Voyage dans le temps (si l'épisode ne tenait qu'à ça, il serait très bon), soit ils n'ont rien compris à Star Trek et continuent de clamer le contraire.

C'est la même chose avec Star Trek IV - Retour sur Terre que j'ai maté avant-hier. Cet épisode est beaucoup apprécié alors qu'il s'agit juste d'un film familial écologique incohérent et un peu portnawak (l'équipage doit ramener des baleines dans le futur...).

Bref. Un fan, c'est pas vraiment futé.

STAR TREK (III)

2009-06-12T11:58:00.007+02:00

A LA RECHERCHE DE SPOCK

Attention, le texte ci-dessous révèle des informations sur le deuxième épisode de la saga.

De retour sur Terre, après la terraformation de la planète Genesis, Kirk apprend que l' USS Enterprise va être démantelé car trop vieux pour être réparé. L'équipage, profondément marqué par la disparition de Spock comme l'évoque la poignante éloge funèbre du début du film sera probablement réaffecté sur d'autres vaisseaux. Sarek, le père de Spock, annonce à Kirk que son fils ne se serait pas laissé mourir sans transmettre son âme, le Katra, fut-ce à un humain. Grâce à la fusion mentale, le Vulcain découvre que Kirk n'est pas le dépositaire de l'esprit de son ami. En fait, c'est McCoy qui abrite l'âme de Spock ce qui expliquerait le comportement étrange du médecin depuis leur retour de Genesis. Kirk décide de ce rendre sur Genesis afin de récupérer le corps de Spock.

Après le succès public et critique de La colère de Khan, Paramount décide de réitérer l'exploit en développant le second acte d'un arc scénaristique découpé sur trois films. Le scénariste attitré de cet arc, Harve Benett, prolonge l'histoire en reprenant là où elle s'était arrêtée. Mais sous son apparence de film d'aventures familial, The search for Spock est un film bien plus glauque qu'il n'y parait, tous les thèmes du film rejoignant la mort et la destruction.

Ainsi, la mort de Spock devient le centre d'intérêt d'un équipage déprimé. Contacté par Sarek, pour qui la mort n'est qu'un stade de l'existence, Shattner n'aura plus qu'une idée en tête : faire son deuil en respectant les volontés du défunt. Au cours de leur aventure, ils seront menacés par des Klingons et obligés de détruire l'Enterprise (je me demande comment les fans ont réagi) pour pouvoir avancer (la mort d'un vaisseau devient ainsi la métaphore du deuil). De même, la planète Genesis est en pleine agonie, sa croissance était beaucoup trop rapide. Sa destruction est inéluctable. Sans compter la mort d'un autre proche de Kirk....

Mais tout ceci est légèrement entaché par le même défaut que le deuxième épisode : ce Fraking de projet Genesis, qui ressuscite carrément Spock. Cette facilité scénaristique est un obstacle à franchir pour le spectateur s'il veut rentrer de plein pied dans ce (bon) épisode de la saga....

STAR TREK (II)

2009-06-08T23:46:00.004+02:00

LA COLERE DE KHAN

Khan, chef d'une bande exilée sur une planète isolée dans un épisode de la série télé cherche à se venger de Kirk qu'il juge responsable de sa condition.

De prime abord, ce second épisode de Star Trek version grand écran paraît être une légère redite du premier épisode au niveau de ses personnages : Kirk vieillit et n'est pas heureux en dehors de l'Entreprise, Spock trace sa propre voie etc. Cependant il prend rapidement sa propre route pour nous conter non pas le désir de vengeance d'un dictateur rescapé d'une guerre eugénique (enfin pas seulement), mais est en fait une métaphore... de la crise de la quarantaine. Je m'explique

Spoiler...

Le début du film est en fait l'anniversaire de Kirk. Un passage vers une nouvelle période. Le capitaine de l'Entreprise prend cela comme une destinée funeste inéluctable et non pas comme
possibilité de renouveau, comme le fait remarquer indirectement Spock, qui est en fait l'autre facette de Kirk, un côté plus tourné vers l'action. En cela, le scénario prolonge les thèmes du premiers films en creusant un peu plus la dualité de chaque être humain : Spock est le côté logique, Kirk est le côté pragmatique. Et la mort de Spock sera un évènement déterminant puisque face à la mort de l'être cher, Kirk prendra conscience de cette facette, l'intégrera, et renaître. Ses derniers mots seront d'ailleurs : "I feel young" pour contredire le sentiment de vieillesse du début. On peut noter que les lunettes offertes au début sont brisées à la fin du métrage.

Fin du spoiler

Le film est donc plutôt glauque et brasse des thèmes inhérents tels que la mort, le destin, l'exil et la vieillesse mais également la vengeance. La vengeance d'un Homme fou, qui poursuit une chimère, qui veut se venger d'un Homme qu'il juge responsable de son état (d'ailleurs Khan ne lit-il pas Moby Dick dans lequel Achab poursuit sans relâche un cachalot qui lui a arraché une jambe ?)

On pourrait cependant reprocher au film quelques éléments un peu too much, surtout le programme Génesis. Un si petit machin qui fabrique des forêts et des lacs en 2 heures sur une planète entière est quand même un peu invraisemblable. Mais La colère de Khan reste un très bon film, pas au niveau du premier Star Trek qui prenait clairement aux trippes, mais l'intelligence de son propos et l'émotion de la dernière scène finissent par convaincre le spectateur.

STAR TREK (I)

2009-06-08T09:15:00.004+02:00

Star Trek le film a une place à part dans la saga Star Trek : pas aimé par la critique, peu apprécié des fans et renié par Paramount (le coffret Trilogie qui pose soi-disant les bases de la saga cinématographique reprend en fait les épisodes II, III et IV). Pourtant, le film de Robert Wise (West Side Story, La maison du diable, Le jour où la Terre s'arrêta... pas un tâcheron quoi !) est très loin de mériter ces opprobres. Son film est même une petite claque en la matière.

Une entité extraterrestre apparemment hostile, et maître d'une nuée se développant sur plus de 80 unités astronomiques, se dirige tout droit vers la Terre. L'Amiral Kirk est chargé par Starfleet de reconnaître l'entité et évaluer la menace. Il reprend alors les commandes de l'USS Enterprise, qu'il avait abandonnées à la suite de sa promotion.

Gene Roddenberry avoua plus tard qu'il avait écrit le scénario du film après avoir désavoué un épisode de la série originale dans lequel les dieux païens étaient clairement raillés afin de ne pas froisser le public religieux de l'époque. Aussi tient-il ici sa revanche. Et quelle revanche ! Je n'ai pas vu ça depuis ... Battlestar (oui je sais, c'est arrivé 25 ans après mais fallait que je le place) ! Star Trek the motion Picture rentre dans le lard des bien-pensants de la religion et pose la question métaphysique à 1 milliard de dollars : et si l'Homme avait été crée par une espèce extra-terrestre ? Bien sûr cette question n'est jamais clairement énoncée mais elle est inhérente au propos du récit.

Pour étayer ce propos, les scénaristes décrivent deux races antagonistes, deux faces imparfaites d'une même pièce .. parfaite : l'Homme et la Machine (notez la majuscule). Ainsi ce sont deux créations faibles mais qui réunies peuvent se doter d'une intelligence hors-norme et dller au-delà de la logique : logique contre sentiments. Jouant constamment avec cette dualité (notamment à travers le personnage de Spock), ils n'hésitent pas à brosser les fans dans le sens contraire du poil et à décrire les Hommes comme pleins de défauts à travers le personnage du Capitaine Kirk qui passe de Héros sans peur et sans reproche de la série à un snobinard orgueilleux et fier qui reprend les commandes de l'Entreprise au mépris de toute logique (duel n°1) et en ejectant le capitaine Decker qui aura du mal à avaler la pilule lui qui connait et comprend mieux que personne "son bébé" (duel n°2). D'ailleurs, l'Entreprise étant fragile, Kirk aura du mal à le contrôler (duel n°3), comme le montre cette scène absolument horrible durant laquelle deux personnages tentent de se téléporter. Mais le téléporteur ne fonctionnant pas bien (sous-entendu sous la main directrice de l'Homme), cet équipage sera littéralement déformé et mourra sous les hurlements. J'en ai encore des frissons.

Mais la Machine n'est pas en reste. Selon les scénaristes, une machine sans âme n'est qu'une intelligence limitée, qui ne se fie qu'à la logique (duel n°5) et qui avance selon ses propres intérêts. V'Ger (prononcez Vidjeur) est ainsi montré comme un cruel enfant qui n'en fait qu'à sa tête (sous-entendu, cette espèce n'est pas assez évoluée...).

Mais ne vous inquiétez pas fans de SF pure et dure, Robert Wise a également développé l'univers spatial et nous offre des scènes purement émotionnelles (à propos de l'Homme... tiens donc, même là il étoffe son sujet) notamment via la redécouverte de l'Entreprise et des plans de toute beauté quand il s'agit de V'Ger. J'ai d'ailleurs parfois eu l'impression de revoir un 2001, l'odyssée de l'espace (dans une moindre mesure bien entendu) tant les deux films partagent cette même ambiance horrifique sur l'espace infini et sur les horreurs qu'il recèle.

Bref on le voit, Star Trek le film est un long-métrage très intelligent sur la dualité entre deux formes d'intelligence (la logique contre la passion) et qui y répond de façon tout de même très pessimiste pour nous, malgré le caractère joyeux de l'épisode : nous ne pourrons être heureux qu'en fusionnant avec notre propre créateur, notre propre Dieu, qui n'est pas forcément celui dont on nous bassine les oreilles depuis 5000 ans.

R.I.P.

2009-06-05T16:06:00.001+02:00

Je ne vais pas me fendre d'un texte biographique. Ils pullulent déjà sur le net.

Un simple hommage sera suffisant.

Au revoir Petit Scarabée.
Au revoir Frankenstein.
Au revoir Bill...

Ah d'eau pi(re)

2009-06-02T16:52:00.003+02:00

Voici un texte choppé (ici) prônant la désobéissance civile contre cette loi stupide, injuste et ultra-capitaliste. Je l'ai recopié dans son intégralité.

Plan de Résistance anti-Hadopi ABCDEFUCK

A comme Attaquer

Cible : HADOPI

Objectif : Déstabiliser leur système répressif automatisé

Pourquoi ? Car vous refusez d'être espionnés comme des Chinois et vous refusez qu'on vous gouverne à coup de trique.

Action concrète : Dès que vous recevrez un email de l'Hadopi (un jour peut-être), c'est simple, adoptez la technique ancestrale des Maîtres Tibétains, en 4 temps, et dénommée :

«Toa Tum Shipa Tsu»

1 – Calmez-vous en vous injectant l'antidote n°1.

2 – Formez-vous : Paragraphe n°3, Cyber Résistance : Anonyme en 2 minutes et apprenez comment envoyer un mail en falsifiant l'adresse de l'expéditeur.

3 - Partager votre angoisse de victime en rediffusant immédiatement le mail reçu à 10 autres personnes, en faisant ainsi croire à un vrai mail provenant de l'HADOPI.

4- Contester : Injectez-vous dans les veines l'antidote n°2.

Vous ne recevez pas de mail de l'Hadopi. Vous en avez marre d'attendre ?

Pas grave : Déclinez quand même les 4 points car l'entraînement, il n'y a que cela de vrai.

B comme Boycotter

Cible : Les artistes commerçants installés et les industriels du secteur (TV, Chaînes de magasins de produits culturels, ...).

Objectif : Les éliminer totalement du secteur artistique et commercial.

Pourquoi ? Ils ont vendu votre Liberté, vos Droits et vos Vies Privées en l'échange de leur petite rente. Ils ont refusé de s'adapter aux nouvelles technologies et ils vous imposent de vous adapter à eux. Ils ont apporté leur nom, comme caution, à ce nouveau système totalitaire de surveillance généralisée et massivement répressif.

Action concrète : Prenez de l'élan et frappez les fort, là ou cela fait mal ... dans les bourses :

N'achetez plus aucun produits culturels notamment CD, DVD, musique en ligne.

Remplacez-les par le téléchargement gratuit qui devient donc maintenant un acte de résistance et de désobéissance civile.

Acceptez de payer uniquement les spectacles (Concert, ...).

C comme Contrer

Cible : Kommandantur HADOPI

Objectif : Sortir du champ de surveillance et de tir de HADOPI

Pourquoi ? Votre Liberté, vos Droits et vos Vies Privées ont plus de poids que leurs minables et couteux CD en plastique.

2 Actions concrètes :

Contre leur venin, injectez-vous le cocktail d'antidotes n°4,5,6,7,8,9

Démultipliez les effets du cocktail avec l'antidote n°10 : Propagez les techniques autour de vous : Amis, Familles, Universités, Écoles, Entreprises, Usines, Administrations, Forums Internet, Réseaux Sociaux, Ministère (de la Culture Propagande), ...

D comme Destituer

Cible : Les politiques Pro-Hadopi (Liste ici, ici et ici)

Objectif : Les éliminer totalement de la vie politique

Pourquoi ? Ils avaient le devoir de vous représenter dans ce 21ème Siècle. Avec cette loi totalitaire, rétrograde et massivement répressive, ils vous ont renvoyé dans le 19ème Siècle. Ils vous ont vendu pour faire plaisir à sa Majesté et à ses troubadours. Ils ont fait preuve d'une servilité et d'une lâcheté impardonnable. Vous les preniez pour vos Élus, ce sont de petits esclaves.

Action concrète : Prenez de l'élan et frappez les fort, là ou cela fait mal ... dans les (b)urnes.

E comme Ecouter

Objectif : Rester Informé et éviter les médias aux ordres.

Première liste de Média de confiance sur ce sujet.

http://www.numerama.com/
http://www.pcinpact.com/s/hadopi.htm
http://www.svmlemag.fr/special/loi_hadopi_creation_et_internet
http://www.laquadrature.net/
http://www.01net.com/
http://www.rue89.com/

JUSQU'EN ENFER

2009-05-31T16:09:00.007+02:00

On a parfois entendu que Sam Raimi s'était vendu aux sirènes hollywoodiennes après sa trilogie Evil Dead, cédant aux films mainstream. Pourtant tous ses films recèlent des scènes propres au réalisateur du Michigan : des flash-backs de Kevin Costner dans Pour l'amour du jeu au Western Mort ou vif, en passant par la scène de l'hôpital dans Spider-Man 2 (qui en aura marqué plus d'un), Raimi ne s'est jamais trahi ni renié. Les mauvaises langues auront donc fort à faire pour justifier la réussite totale de ce Jusqu'en enfer, nouveau "vrai" film d'horreur de Raimi plus de 20 ans après Evil Dead 2.

Christine Brown, spécialiste en crédit immobilier, vit à Los Angeles avec son petit ami, le Professeur Clay Dalton. Tout va pour le mieux jusqu'au jour où la mystérieuse Mme Ganush débarque à la banque et la supplie de lui accorder un crédit supplémentaire pour sa maison. Christine hésite entre la compassion et la pression de son patron, Mr Hicks, qui la voudrait plus ferme avant de lui octroyer une promotion. Fatalement, Christine choisit sa carrière, même si sa décision met Mme Ganush à la rue. Pour se venger, la vieille femme jette la malédiction du Lamia sur Christine, transformant sa vie en un véritable cauchemar. Hantée par un esprit malfaisant, incomprise de son petit ami, elle se fait aider du medium Rham Jas, qui l'entraine dans une course frénétique contre la damnation éternelle, pour inverser le sortilège...

Simple mais efficace, ce pitch permet au cinéaste de revenir au genre qui l'a rendu célèbre auprès des afficionados. Sam Raimi, libéré des contraintes d'un film à gros budget, se livre à toutes les fantaisies horrifiques possibles, en reprenant d'une part les clichés du genre (il ira même jusqu'à citer son propre travail à plusieurs reprises) et d'autre part en innovant totalement et offrant des séquences absolument mémorables.

Ainsi, on retrouve beaucoup de séquences déjà présentes dans la trilogie Evil Dead et ce dès le début du film (le titre). Suivront une attaque de serviette (la main de Ash dans ED2), des zombies qui volent (ED2), une attaque dans un garage (qui ressemble à une cabane en bois... tiens donc. D'ailleurs, le personnage joué par Justin Long ne dit-il pas J'ai une cabane en bois dans la forêt ?), la scène précédant la rencontre avec le médium Rham Jas reprend à l'identique (en inversant les rôles) une scène de Spider-Man 2... Sans oublier la manière de filmer de Sam Raimi, reconnaissable entre 1000.

Mais Sam Raimi ne recycle pas son propre travail et Drag me to Hell est surtout un tour de Montagnes Russes original et inoubliable : entre séquences absolument flippantes (le Lamia... putain !), Raimi se permet des scènes drôles (et souvent dégoûtantes) à base de bras dans la gorge, de bave verdâtre, et j'en passe. Et n'oublions pas la scène du téléphone portable qui va en traumatiser plus d'un.

Bref, Sam Raimi est décidemment un sacré cinéaste qui nous fait ici le plus beau des cadeaux et nous offre un tour de manège renversant et mémorable. Qu'importe le léger coup de mou aux 2/3 du métrages, Jusqu'en enfer est un excellent film d'horreur. Un vrai. Alors oubliez les 5000 films soit-disant horrifiques qui pullulent depuis 4 ou 5 ans. Le cinéma a un nom. C'est Sam Raimi.

Attention. Ce type est un génie.

Pour finir, la critique éclairée d'un journaliste du magazine que j'affectionne : Les Inrocks.

Jacky Goldberg

(...) Raimi n'est pas Loach (...) et son film moins prétexte à la satire sociale qu'à un déferlement de violence ludique, mais il demeure malgré tout un cinéaste moral qui ne cesse de répéter: gare aux parvenus. L’ironie du film tient au fait qu’il pourrait très bien, lui aussi, en être un, de parvenu ; et derrière le personnage de Christine qui vend son âme au pire des diables (l’argent) pourrait se cacher l’autoportrait coupable d’un cinéaste de genre mal élevé qui, le temps de trois blockbusters monumentaux, est parvenu au sommet d’Hollywood. Peut-être faut-il en passer par l’enfer pour recouvrer sa liberté.

Mais bien sûr. Une petite chose monsieur Jacky, le scénario a été écrit peu après Evil Dead 3.

TERMINATOR RENAISSANCE

2009-05-30T21:03:00.005+02:00

Terminator par McG, ça fait quand même sacrément peur (Charlie's Angels quand même) et c'est un peu comme si Paul W.S. Anderson réalisait un Alien (ah... apparemment ça a été fait...). Et puis un Terminator sans Arnold Schwarzenegger, c'est comme un Rocky sans Rocky Balboa ou un Halloween sans Michel Myers (ah... là aussi ça a été fait), c'est pas un Terminator. Pourtant, on y croyait dur comme fer, notamment grâce à des bande-annonces aguichantes, la promesse d'un Post-Apo épique et la présence de Christian Bale. Au final, si le film en lui-même se révèle légèrement en deçà de nos attentes les plus folles, il reste néanmoins un très bon film de science-fiction, mais pas pour les raisons attendues.

En effet, le film de McG peut se targuer d'avoir foiré toutes ses promesses de marketing promotionnel : non le scénario n'est pas riche et se révèle parfois frustrant et même légèrement incohérent (je suis John Connor et j'infiltre Cyberdine-City tout seul sans qu'aucun robot ne me voit... putain !). D'ailleurs peut-on parler de scénario puisqu'il n'y a pas vraiment de fil rouge et T4 est "juste" une succession d'évènement ? Pas vraiment. C'est le gros point noir de ce Terminator nouvelle mouture.

Ensuite, le personnage de John Connor est gâché. Point. D'une part son personnage est inconsistant, trop froid et poseur. Le spectateur n'aura aucune empathie pour lui. Et d'autre part, il t'arrive quoi Christian ? C'est pas parce que ton personnage est censé avoir la classe ultime qu'il doit forcément avoir la voix super grave et parler tout bas. Les autres personnages ne sont pas en reste : entre une Kate Connor qui fait de la figuration pour montrer qu'elle existe et une Blair Williams caricaturale (mais Moon Bloodgood est miaou), les scénaristes n'ont malheureusement pas réussi leur coup. Heureusement, ils se rattrapent avec 3 personnages, et ce ne sont pas ceux qu'on attendait : Kyle Reese joué par Anton Yelchin, Star jouée avec pudeur par la jeunette Jadagrace Berry et surtout Marcus Wright (Sam Worthington), perso fouillé et nuancé qui apporte son lot de frissons et d'empathie.

Bref, la grande réussite de T4 c'est ce personnage. Mais ce serait un peu trop viter oublier les quelques d'action assez énormes (dont une absolument dantesque avec les Mototerminators (!)) réalisées par un McG qui a un sens de l'image pas mauvais et sait cadrer ses personnages (même s'il veut en faire un peu trop comme ce hideux plan séquence dans l'hélicoptère).

Bref T4 fait passer un vrai bon moment. Il n'atteint évidemment pas le chef-d'oeuvre immortel que fut Terminator 2 - Le jugement dernier, mais apporte son quotas de scènes d'action. On y trouve notre compte (pour un film "sans" Schwarzenneger - j'en ai trop dit - c'est déjà pas si mal) même si on a la désagréable impression que le film ne vieillira pas très bien.

DEATH RACE 2000 - RAPIDO

2009-05-30T20:54:00.004+02:00

J'avais vu le début de ce film il y a quelques années sur CinéFx et j'avais vraiment accroché. Mais bon, mes parents... toussa.. J'ai décidé de revoir ce film avec mon colloc avec néanmoins quelques craintes, explicitées par mon comparse : "c'est pas un film qui est sur nanarland ?".

Bon en même temps, vu la gueule des voitures, je m'attendais à pas à un chef-d'œuvre.

Grand bien m'a pris de mater ce film puisque je me suis pris une baffe dans la gueule. Alors oui, autant la forme du film fait clairement penser de prime abord à une série B nanardesque avec ses voitures dentelées, un pré-Dark Vador en cuir, un Stallone cabotin, autant le fond du film a une volonté transgressive et subversive rare. Tout le monde y passe : entre un Président et ses valets faisant l'apologie de la violence pour viriliser un pays dominateur, des présentateurs TV lèches-boules (il vous aime tous... phrase reprise par Brian Michael Bendis dans le comic marvel Secret Invasion), des masses abruties et recherchant le spectacle avant la réflexion, idôlatrant à outrance, des célébrités qui ne pensent qu'à se faire reluire, un gouvernement qui abandonne ses problèmes sans les résoudre (le jour de l'euthanasie) etc. Un vrai bon petit South Park avant l'heure.

Et puis putain, un film où écraser des vieillards et des bébés ça rapporte des points, c'est quand même monstrueusement fun !

DRAG ME TO HELL

2009-05-24T10:12:00.004+02:00

J-3

FRATERNITY

2009-05-24T09:55:00.003+02:00

Dans Fraternity il y a :
- des monsieurs épilés qui se font des yeux doux
- des actrices de 40 balais qui jouent le rôle d'étudiantes de 17 ans
- des vampires sans dents longues et qui sortent au soleil
- des dialogues fins ("Tu as trop regardé des films d'horreur" "Beaucoup de pornos en fait" "Dans les 2 cas, ça gicle")
- des nuits californiennes où il y a tout le temps de l'orage / des journées californiennes où il fait toujours super beau
- des églises du XVIIème siècle intactes depuis les croisades... dans un campus américain
- beaucoup de blabla
- une scène érotique très très longue

Si vous n'avez jamais vu de DeCoteau, tentez. Ca vaut le coup.

LE FILS

2009-05-18T17:57:00.005+02:00

Mon premier Dardenne (auteurs multi-récompensés) fut Le Fils. Vision douloureuse, qui m'a fait l'effet d'un somnifère puissant, d'un film quand même assez sur-estimé. Le fils parle d'Olivier (Olivier Gourmet, la bouche ouverte les 3/4 du métrage, récompensé par un prix à Cannes...), un menuisier prenant en apprentissage le meurtrier de son fils. Avec un pitch pareil, on était en droit d'attendre un scénario construit, une confrontation psychologique entre les deux personnages ou au moins une étude sur le pardon et le deuil. Même pas. Alors Olivier il fait quoi. Rien. Il roule en bagnole, fait des pompes, se fait à manger, va aux toilettes.... Et quand à la fin, Olivier annonce au jeune qu'il connait son secret, celui-ci s'enfuit. Olivier lui court après, manque de le tuer, s'arrête et lui pardonne. Super. 1h35 de film, de remplissage avec rien. Car oui, s'il y a bien une chose qui caractérise Le fils, c'est le "rien". Pas de son, pas de musique, pas de cadrage, pas de montage, pas de jeu d'acteur. Rien. Le vide. Alors évidemment, les critiques Téléramesque se sont masturbés avec.

Les Dardenne atteignent un point d'équilibre qui n'est pas une question de juste milieu, mis une affirmation de la supériorité d'une morale spontanée. Ils nous laissent ainsi sans voix et bouleversés.
Positif - Françoise Audé

Ah parce qu'il y a une morale dans Le fils ? On a vu le même film ?

Est-il besoin d'ajouter que le Fils, en sa qualité d'oeuvre si excellemment pensée, mûrie, réalisée, chavire la conscience et relève d'une conception de la catharsis dont il est peu d'exemples dans ce qu'il faut bien continuer, pour le coup, de nommer le septième art ?
L'Humanité - Jean-Pierre Léonardini

Pensée, mûrie, et réfléchie ? Pour un film qui ne prend pas la peine de cadrer correctement ses personnages (on sent le truc fait à l'arrache sur le tournage) et renvoie 60% du temps des nuques et des cuirs chevelus en gros plans, c'est un peu hypocrite non ?

Jean-Pierre et Luc Dardenne signent un thriller suffocant, débordant d'émotion et physiquement intense.
Les Inrockuptibles - Serge Kaganski

Thriller ? Physiquement intense ? Ah oui, à un moment Olivier fait des pompes.

Soyons sérieux 2 minutes.
Ps : j'ai trouvé ça sur l'excellent webzine L'ouvreuse. Ca confirme bien mes craintes.

STAR TREK

2009-05-16T20:35:00.010+02:00

J'ai découvert Star Trek il y a peu. La série originale, avant d'être une série pyjamas kitch et vieillotte méprisé par les frenchies, est une magnifique métaphore de son époque (dont certains thèmes sont encore aujourd'hui valables !) : racisme, guerre froide, gouvernements etc. La mise en chantier d'un "reboot" par J.J. "M:I 3 ; Lost" Abrams avait de quoi effrayer les fanas hardcore qui redoutaient un simple space opera avec bataille spatiale bardée de CGI et sans renvoi à notre époque, ce qui est légitime ! Evidemment, le film est à l'image de la bande annonce et des craintes évoquées plus haut : un space opéra qui voit grand et est avant tout un roller coster spatial.

Du coup, à la sortie de la salle, je ne savais pas vraiment quoi penser de Star Trek nouvelle version. D'un côté, j'étais un peu déçu de ne pas retrouver la finesse d'écriture des épisodes de la saga originale, et d'un autre côté, j'ai été bluffé par un spectacle grisant avec un bad guy classe et charismatique.

Je ne vais donc pas mentir : Star Trek par J.J. Abrams est un pur produit d'entertainment, un film populaire de qualité qui ratisse large et offre son lot de bonnes scènes auquel on pourrait reprocher une mise en scène pas toujours très fine (J.J. ne sait pas filmer les combats corps-à-corps, l'image est constamment épileptique) mais toujours respectueux de l'univers de Roddenberry. Les fans pourront crier au scandale (Ouiiinnnn Normalement Spock sert 14 ans sous les ordres de Pike - oui mais là je t'explique, c'est un remake), on pourra toujours prendre son pied. Mais si vous avez adoré et que vous ne connaissez pas la série originale, je vous déconseille de vous y mettre. C'est quand même 50 minutes de parlote (passionantes) sans bataille spatiale.

HADOPI

2009-05-07T16:51:00.000+02:00

Un mec viré de TF1 pour des divergences de stratégies. En fait le mec a juste donné un avis négatif sur le projet HADOPI. Super.

http://www.ecrans.fr/Denonce-par-Albanel-vire-par-TF1,7137.html

DOUBLE TEAM !

2009-05-02T22:17:00.017+02:00

Réalisation : Tsui Hark
Avec : Van Damme :pimrose: Rourke :pimrose: Rodman :groucho:
Pays d'origine : États-Unis

Jack Quinn un ancien agent anti-terroriste coule des jours heureux avec sa femme. Mais la réapparition de Stavros, son ennemi juré, va le faire sortir de sa retraire.

Partant d'un postulat plutôt sympa (des anciens agents sont cloitrés de force sur une île après leur supposée mort, on a le droit à une succession de clichés nanardesque assez hallucinante. Si le film en lui-même est complètement crétinou, il reste suffisamment efficace pour être fun et pas embêtant (merci Hark). En ce moment j'ai pas trop d'inspiration pour une critique en bonne et due forme, aussi je vais juste poster quelques captures.

Bon alors déjà que vient foutre Rodman là dedans. Il sert uniquement de faire valoir et reste consternant. Alignant plus de coupes de cheveux différentes que de chemises (environ une toutes les dix minutes), il cabotine pendant tout le film et ses piercings lui sauvent même la vie (encore pire que la figurine Wolverine dans Die Hard 4 !). Bref un festival Rodman.

Yeah !

YEAH !

YEAH !!!

Super..

Et puis ya quand même Mickey ! MICKEY !

N'oublions pas Paul Freeman qui passe de Bellock dans les Aventuriers de l'Arche perdue à un espèce de chef d'agents secrets à la retraite sur une île secrète pseudo-high tec. Et là aussi ça cabotine sec.

Mais la véritable star c'est JC. Aaaah JC. Tu illumines le film avec ton jeu quasi parfait et monolithique comme il se doit. Les images parlent d'elles même.

J'ai pété.

Non ce n'est pas une comédie musicale

JCVD, c'est MCGuyver. En mieux.

Et ya quand même des scènes d'action mémorables ! Les mecs ils font péter le Collisée ! Mais merde quoi !

A noter que le mec vise un camion blindé. Que ce camion est dans un ravin. Mais que le mec vise vers le haut.

Moustaaaaaache

Bien visé !

Et hop ! Une pub placée ! Le monde est sauvé par Coca Cola (c)

Entre

Et

(à peu près)

FEAST - RAPIDO

2009-05-01T22:29:00.005+02:00

Attention, un élément est dévoilé. Si vous ne voulez pas gâcher la surprise, passez votre chemin...

Oh que voilà la bonne surprise ! John Gulager est un petit malin et en plus un amoureux du film de monstres. Et il va mettre tout son talent dans un premier-long métrage roublard, fun et généreux. La grande force de Feast est de mettre tout le monde au même niveau et bien malins seront ceux qui auront pu deviner qui mourra ou pas. Montrant comme des clichés ambulants se font attaquer par des monstres sortis de nulle part, Gulager choisit dès les premières secondes de jouer avec les clichés afin de surprendre le spectateur en donnant une carte d'identité à chaque personnage, espérance de vie incluse. Par exemple, le mec ultra-badass présenté à la 10ème minute, en sang, avec un shotgun dans les mains, est présenté comme suit :

Or ce héros va mourir environ 30 secondes plus tard. Au total : 1 minute à l'écran. Ne restent plus que les seconds couteaux, ceux qui servent de plat de viande dans ce genre de films, et pour qui on va s'attacher ici : la motarde, la mère de famille, la vieille, le bad boy, le jeune sensible, le biker, la grosse pouffe aux gros seins, le black de service etc. Si le milieu du film a quelques problèmes de rythme (surtout après une introduction dantesque !), Gulager se reprend et livre un final jouissif, gorasse et super fun ! Ca va pas révolutionner le cinéma de genre, mais ça a au moins le mérite d'exister de faire prendre son pied. Typiquement le genre de film qu'il manque en France, pays où chaque film de genre est attendu comme le messie et est au final une déconvenue (sauf A l'intérieur).

VISITOR Q

2009-04-30T22:49:00.006+02:00

J'ai découvert Miike l'an passé avec l'excellent Zebraman. Ayant déjà entendu parler du schisme que provoque le réalisateur (autant de partisans que de détracteurs), je pensais me rallier du côté des amoureux du cinéaste. C'était avant la vision de Dead or Alive, film certes complètement barré, mais sans queue ni tête et qui joue esbrouffe par sa "complexité". J'ai quand même essayé de me remettre à Miike après cette douche froide avec Visitor Q... Eh bien je crois que je ne reverrai pas un Miike de si tôt (surtout que j'ai d'autres trucs plus intéressants à découvrir).

Portrait d'une famille japonaise : le père est un journaliste raté dont les employeurs ne veulent plus et qui couche avec sa fille prostituée. La mère, elle, vend de temps en temps son corps afin de payer l'héroïne qui lui permet d'oublier que son fils la frappe. Quant à celui-ci, il se fait régulièrement humilier et tabasser par ses camarades de classe. Le père décide de réaliser un documentaire sur son fils. Arrive alors un inconnu qui va bouleverser cette vie de famille.

Commençons d'emblée : l'apparente transgression de Miike à travers ce film est une façade. Certes le réalisateur filme des scènes politiquement incorrectes et barjes et les fans de cinéma déviants et barrés peuvent espérer (légitimement) y trouver leur compte (et j'en fais partie) mais bizarrement (ou pas) Miike ne raconte... rien. Le film est en fait une succession de scènes outrancières mises à la suite les unes des autres sans cohérence réelle. Afin de se justifier, Miike se cache derrière une métaphore de la famille japonaise (dans le genre recherche de crédibilité) et y va à fond dans la déviance. Si voir un mec se faire enfoncer un micro dnas le cul en live vous intéresse... Bref que de la branlette qui finit dans l'esbrouffe artistique la plus totale avec cette représentation d'une mère de famille donnant le sein à son mari. Pffffff.... Et puis putain qu'est ce que c'est chiant un film sans histoire !

LIVID - PREVIEW

2009-04-30T19:43:00.003+02:00

Après les expériences malheureuses de Halloween 2 et Hellraiser (depuis repris par un autre frenchie : Pascal Laugier), Maury et Bustillo ont finalement un nouveau projet qui devrait être tourné (si des financements sont trouvés) dans la langue de Shakespeare : LIVID.

Le film commencera ainsi lorsque, pour sa première journée en tant qu'apprentie aide à domicile, Lucy rend visite à madame Jessel, une vieille femme plongée dans le coma, vivant recluse et seule dans son immense demeure délabrée. Apprenant par mégarde que celle-ci fut une professeur de danse particulièrement réputée et posséderait selon toutes vraisemblances un trésor caché dans la maison, Lucy décide d'en fouiller chaque recoins avec l'aide de deux de ses amis, William et Ben. Une fois la nuit tombée, le trio pénètre ainsi dans la bâtisse, mais ce qu'ils y trouveront sera loin de ce à quoi ils s'attendaient. Car leur quête du trésor de madame Jessel va les mener dans une terrifiante série d'événements surnaturels qui changeront Lucy pour toujours...

Le projet devrait être présenté au marché du film de Cannes afin d'intéresser de potentiels producteurs et recueillir des fonds.

sources : dvdrama et thehorrorgeek

FESTIVALBANEL

2009-04-30T11:02:00.009+02:00

A l'heure actuelle, le vote pour Hadopi a été repoussé à lundi. Bizarre ce gouvernement qui préfère dépenser temps, énergie et fonds dans une loi répressive injuste et limite fasciste plutôt que de s'occuper sérieusement de la crise et de la grippe porcine. En gros : vous êtes au chômage, vous êtes malade, mais vous ne pouvez pas voir de film sur votre PC. Aussi, il est de bon ton dans ce climat de faire un Petit Festival Christine Albanel, notre chère ministre.

Source http://www.pcinpact.com/actu/news/50621-hadopi-debat-compte-rendu-albanel.htm

LA DERNIERE MAISON SUR LA GAUCHE

2009-04-28T17:45:00.010+02:00

Je n'aime pas Wes Craven. Le "réalisateur", trèèèèèèèèès loin de mériter son titre de maître de l'horreur, n'a réalisé que deux bons films dans sa carrière : Scream et Les griffes de la nuit. Le reste de sa filmo est une succession de patchworks navrants, mal torchés, et branleurs (littéralement).

Et ce dès La dernière maison sur la gauche, son premier film, péloche chiante, vulgaire et filmée comme un porno soft des seventies. L'annonce d'un remake m'énervait profondément, puisqu'elle rajoutait une couche dans l'inutile culte qui entoure le film original de Craven. Et bien heureusement, cette nouvelle mouture de La dernière maison sur la gauche enterre considérablement l'original.

Premier gros point positif, le développement des personnages. Dans l'original, il n'y avait aucun sentiment. On suivait (avec douleur...) des personnages empêtrés dans une histoire prometteuse mais avec un tel refus d'émotion que ça en devenait frustrant. Il faut voir cette scène où le père de famille s'amène avec une tronçonneuse pour voir de quoi je parle. Dennis Iliadis a compris qu'un film d'horreur passe avant tout par ce que peut ressentir le spectateur et développe ses personnages en leur donnant une consistance et un réalisme inattendus. Cela me fait penser à 28 semaines plus tard où le réalisateur donnait volontiers une consistance à ses personnages que Danny Boyle a refusé dans 28 jours...

Ensuite, là où Craven torchait ses scènes à la va vite, en brandissant sa caméra n'importe comment, Iliadis lui adopte un vrai sens cinématographique à ses images. Il choisit de filmer toutes les atrocités (et ça y va...) du film de façon brute et sans concessions. Il prend d'ailleurs un recul heureux dans sa dernière partie où le spectateur ne sait plus vers qui donner son empathie.

Enfin, ça charcle à tous les niveaux ! Finis le soit-disant "outrageant" spectacle de l'originale qui ne ferait pas peur à ma petite soeur. Ici, on a le droit à une violence inouïe (et jamais cautionnée...) qui vous fera prendre un pied monstrueux, surtout dans la seconde partie. Et la séquence finale fera parler d'elle pendant un certain temps.

Si au final le film accuse quelques défauts mineurs (notamment une baisse de rythme hallucinante lors des 10 dernières minutes où Iliadis se sent obligé de filmer des couloirs pour remplir son film) et un côté "la famille unie survit" un peu agaçant, on est face à une péloche nerveuse, violente et jubilatoire. Si vous avez 7€ en poche, vous savez comment les dépenser. Décidément après l'excellent La Colline a des Yeux d'Alexandre Cocoricooo Aja, les films de Craven ne sont supportables que remakés. Vivement le remake des Griffes de la nuit tiens !

BATTLESTAR AU GRAND REX - PART DEUX

2009-04-27T12:31:00.003+02:00

C'était vraiment bien. Malgré une organisation de merde (catégories 1, 2 mais des classes au sein des catégories... 1h30 de queue... Merci le Rex !) on a eu quand même un sacré rendez-vous de geeks. Etaient présents Jamies Bamber, James Callis et Mary McDonnel. Autographes, séances photos et questions/réponses. Puis diffusion d'un épisode de la saison 4 sur grand écran. Pfffiou ! A noter que Mary McDonnel a spoilé pas mal d'éléments sur la dernière saison de BSG que les français n'ont (théoriquement hein) pas vue !

Autographes de Jamies Bamber et James Callis

LE BILLET QUI SERT A RIEN

2009-04-26T09:37:00.006+02:00

Wouhou je m'en vais de ce pas au Grand Rex à Paris pour la diffusion du premier épisode "inédit" (en France par les moyens légaux) du premier épisode de la saison 4 de Battlestar Galactica (oui oui la série que j'ai terminée il y a 1 mois). Seront présents 3 acteurs de la série.

Mais bon :
- peu de monde lit mon blog (3 ou 4...)
- il doit y avoir peu de fans de BSG dans ceux qui lisent mon blog
- ceux qui aiment BSG et qui lisent ceci viennent avec moi.

D'où le titre approprié de cet article.
Et pour ceux qui n'ont toujours pas regardé cette série et qui se limitent à Dr House et Desperate Housewives, putain bougez-vous le cul !

LA MOUCHE 2 - RAPIDO

2009-04-24T08:08:00.006+02:00

La suite du film de Cronenberg n'a évidemment rien à voir avec son prédécesseur. Là où le premier film était une magnifique histoire d'amour sur les changements physique et psychologique, les scénaristes du deuxième film (dont Mick Garris et Frank Darabont) livrent une "simple" série B plutôt attachante dans sa première partie. On suit sans déplaisir Martin "fils de" Brundle qui grandit 5 fois plus vite que la moyenne dans un laboratoire. La mutation de son père étant inscrite dans ses gènes, il est destiné à changer physiquement. Seulement voilà, dès que la mutation est complète, le troisième acte commence et on assiste à un spectacle ridicule : monstre pourrave et mal foutu (vous pouvez me dire en quoi ça ressemble à une mouche ?), acteurs pathétiques, et résolution moralement douteuse qui tombe dans le n'importe quoi .... Cependant je le répète, le film a un je ne sais quoi qui fait qu'on s'y attache et Chris "il fait quoi lui maintenant ?" Wallas s'attache à créer une certaine ambiance tragique (la scène du motel est très réussie).

INSTANT VOMI

2009-04-22T13:03:00.005+02:00

Voici ce qu'on pouvait lire dans l'édito du Caméo de Nancy.

"La France est le seul pays de par son système de production/diffusion/réseau d’exploitation à prouver au monde entier que le cinéma «Art » ça existe et que ça forme des spectateurs exigeants, critiques, bref citoyens. Pour ces raisons, il faut bannir le piratage."

Alors c'est donc ça ! En France les films sont plus intelligents et plus "artistiques" qu'ailleurs ! Ca alors, je ne m'en étais jamais rendu compte. C'est vrai quoi, regardez un peu. Quelques exemples suffisent à montrer combien je me suis fourvoyé pendant 22 ans...

Etats-Unis

Espagne

Hong Kong / Chine

Brésil

Corée

Que des bouses qui font fondre le cerveau.
Heureusement que les Français sont là, avec Monique Pantel. Du Lard, du vrai.

PONYO C'EST BEAU

2009-04-21T22:40:00.002+02:00

GUILLERMO DEL TORO

2009-04-19T10:52:00.018+02:00

« Je crois que l'univers est comme une grande horloge. Et que nous sommes les engrenages de cette horloge. Il faut que certains crans tournent vers la gauche pour que d'autres aillent vers la droite et fassent fonctionner le tout. Et chacun d'entre nous possède un rôle très précis dans cette grande horloge qui se rénove sans cesse. C'est une horloge formée de chacun d'entre nous. » Guillermo del Toro, ou comment parler avec lucidité de son oeuvre.

J'ai revu Blade II hier soir. Je n'en avais quasiment aucun souvenir. La vision de ce putain de métrage est l'occasion de revenir sur le bonhomme, créateur talentueux, génial et généreux. Ce petit article n'a pas vocation d'analyser chaque film du monsieur (je ne suis de toute façon pas assez doué pour ça) mais de témoigner de mon amour pour grand réalisateur. Je n'ai vu Mimic qu'à sa sortie en vidéo (1998, j'avais 11 ans...) et je ne vais pas en parler sur les bases d'un vague souvenir.

Note : les résumés viennent de Wikipedia

CRONOS (1993)

Un antiquaire découvre par hasard un curieux scarabée en or. Intrigué, il tente d'ouvrir l'objet mais active sans le vouloir un mouvement d'horlogerie ... le compte à rebours vers une forme particulière de "dépendance" est enclenché. Le scarabée ne s'ouvre pas, ce n'est pas une boîte précieuse et décorative, mais c'est quand même une boîte de Pandore au mécanisme très sophistiqué.

Premier long-métrage de Del Toro, Cronos présente toutes les qualités et tous les défauts inhérents à une première oeuvre. Le réalisateur a en effet voulu y mettre toutes ses obsessions et le film préfigure déjà les thématiques récurrentes dans l'oeuvre de Del Toro : obsession du temps, monstres "humanisés", relation paternelle, religion (le héros s'appelle Jésus Gris)... et Ron Perlman ! Si le film accuse quand même quelques défauts de rythme et de "trop pleins", Cronos reste une oeuvre hautement sympathique qui laisse présager le talent de Del Toro. Et puis putain, quel final !

L'ECHINE DU DIABLE (2001)

En Espagne, durant la guerre civile, Carlos, un garçon de douze ans dont le père est décédé, débarque à Santa Lucia, un établissement catholique pour orphelins. Il est remis au bons soins de Carmen, la directrice, et du professeur Casares. Mais il doit faire face à l'hostilité de ses camarades et de Jacinto, l'homme à tout faire. Par ailleurs, ce lieu hostile dissimule derrière ses murs deux secrets : l'or de la cause républicaine, et le fantôme d'un enfant qui hante le sous-sol.

Pré-figurant Le Labyrinthe de Pan, L'échine du diable est un film extrêmement personnel (il a écrit le scénario alors qu'il était au collège !) après la commande Mimic. Transcendant le concept de film de fantômes, Del Toro offre une oeuvre magnifique sur le temps, la mort, le fascisme l'amour et la vengeance. Le spectre devient ainsi une métaphore de ce que l'on a tendance à oublier mais qui revient nous hanter à la moindre occasion (l'Espagne franquiste). Narrativement très riche (le film n'a pas d'histoire à proprement parler mais est un assemblage très réussi de scènes fantastiques et romantiques ajoutés à une évolution de personnage très travaillée), L'Echine du diable est une petite merveille mais n'est pas encore le gros choc que sera Le Labyrinthe de Pan, son meilleur film à ce jour.

BLADE II (2003)

Après avoir vaincu Deacon Frost dans le premier volet, Blade aide une troupe de vampires à éliminer une race supérieure de vampires, les Reapers, qui s'en prennent tour à tour à leurs confrères aux grandes dents. Ils sont menés par Nomak, mais Blade et son équipe de vampires (et d'humains : Whistler et Scud) réussiront-ils à tous les exterminer ?

Après un très bon premier volet (qui avait quelques tics agaçants), Del Toro accepte une commande et offre Blade II, putain de badass movie où le réalisateur s'approprie la franchise et lui offre ses thématiques propres. Il y a de tout dans Blade II : des ninjas, de la pétoire, des vampires, des grosses bastons, des répliques qui tuent ("You're human !" "Barely, I'm a lawyer" ; "You obviously do not know who you are fucking with !"), une ambiance gothique (les égouts), des références aux comics books (on les doit surtout à David Goyer : "The Dark Knight returns !") et un Wesley Snipes plus classe que jamais (avant la chute Blade Trinity). Blade II, avec son schéma classique, est un monster-movie ultra réjouissant. J'ai juste un petit problème avec la première demi-heure, légèrement bancale où les personnages ne font que poser. Mais vu la teneur du reste du métrage, on peut facilement faire avec.

HELLBOY (2004)

En 1944, le jeune Professeur Trevor Broom assiste à une opération nazie appelée "Ragna Rok", dirigée par Grigori Raspoutine, un homme qui a été tué puis ressuscité. Cette opération consiste à libérer l'"Ogdru-Jahad", grâce à un gant ,un démon uni de sept démons puissants, pour gagner la guerre, selon les ordres du Führer. Mais grâce aux soldats américains, l'opération échoue, Raspoutine est absorbé par l'enfer et libère un petit démon rouge avec un gros bras en pierre qui possède les mêmes capacité que le gant de la machine. Broom l'adopte et le nomme : Hellboy.

Je ne suis pas un inconditionnel de Hellboy premier du nom. Il est bon, on retrouve les thématiques habituelles de Del Toro (apparemment les fans ont été scandalisé de voir la BD de Mignola, que je n'ai jamais lue, trahie), Ron Perlman est parfait, mais il y a quelque chose, un je ne sais quoi qui ne vous fait pas totalememt adhérer au film. Mais ne crachons pas dans la soupe hein ! Hellboy est vraiment bon.

LE LABYRINTHE DE PAN (2006)

En 1944, la guerre d'Espagne est achevée et le pays est désormais sous la coupe de Franco. Les maquisards se terrent dans les montagnes. La jeune Ofelia suit sa mère, remariée avec le tyrannique et sanguinaire capitaine Vidal. Guidée par un étrange insecte qu'elle prend pour une fée, la jeune fille découvre au cœur d'un labyrinthe voisin de sa nouvelle maison un faune inquiétant. Il lui révèle qu'elle serait la princesse d'un monde souterrain égarée sur la Terre. Mais pour en être certain, et pour qu'elle puisse retrouver son vrai père et sa vraie mère, Ofelia devra réussir trois épreuves.

Alors là attention chef-d'oeuvre ! Reprenant le mélange entre Film de guerre et film fantastique qui avait déjà fait la réussite de L'échine du diable, Del Toro livre un film absolument magistral sur l'imagination, les monstres, la vie et la mort. Véritable centre de l'histoire, Ofelia est une petite fille qui vivra des aventures fantastiques (mais les vit-elle vraiment ?), sombres miroirs de la vie réels (le parallèle entre vidal et le pale man est saisissant !). Véritable œuvre métaphorique, Le Labyrinthe de Pan est une déclaration d'amour à l'imaginaire, seul échappatoire possible à une vie réelle qui n'entraîne que la mort et la déchéance. Mais Del Toro ne fait pas que raconter une histoire puissante et universelle, il transcende également ses propres thématiques, les mêle et en retire la substantifique moelle. Par exemple le personnage de Vidal est constamment lié au temps. Il est réglé comme une horloge, il en devien tinhumain, un véritable monstre au sens métaphorique du terme. Jusqu'au final où sa montre s'arrête et où le spectateur change totalement de point de vue, l'espace d'un instant. De plus, il revient sur la mort de l'enfance et de l'innocence (littéralement) déjà vue dans L'Echine du diable, et là aussi adaptée de façon magistrale à son propos. Traumatisant, beau, lyrique, touchant, flippant, Le Labyrinthe de Pan est tout cela à la fois. Del Toro est un génie.

HELLBOY II (2008)

Dans son enfance, Hellboy se fait raconter par son père adoptif l'histoire de la guerre des débuts des temps. Elle a opposé l'alliance des elfes, des orques et des gobelins au peuple humain, dont le seul but est de croître et de prospérer au détriment de l'équilibre du monde. Afin de remporter la guerre, les elfes firent forger par les gobelins une armée de soldats d'or contrôlée par une couronne d'or. La guerre prit alors un tournant favorable pour les créatures fantastiques. Mais le roi des elfes, pris de tristesse devant cette victoire sanglante, décida d'une trève. La couronne fut brisée en trois ; un morceau fut confié aux humains et les deux autres conservés par les elfes, afin que les légions d'or ne soient jamais reformées. Des millénaires plus tard, un des trois fragments de la couronne est en vente, il est volé par le prince des Elfes, Nuada, qui veut reprendre la guerre contre les humains et reformer les Légions d'Or.

Ce film a été l'occasion pour moi de "rencontrer" (un bien grand mot.. mais j'ai envie de me la péter) Guillermo Del Toro lors de l'avant-première du film. On s'est serré la main et il m'a dédicacé des dvd (dont Le Labyrinthe de Pan évidemment). Bref j'arrête de frimer.

A la sortie d'Hellboy II, j'avais résumé le film à ceci : Blade II + Le labyrinthe de Pan = Hellboy II. Difficile de faire plus clair. En effet, la suite d'Hellboy enterre définitivement son prédécesseur de part un putain de scénario geek, des scènes de monstres jouissives (et sans CGI !), des personnages fabuleux et des thématiques passionnantes encore une fois. Comme dans le premier épisode qui s'interrogeait (de façon logique) déjà sur la notion d'être humain, cet épisode humanise (à outrance ?) Hellboy (il faut voir cette fabuleuse scène d'ivresse pour comprendre de quoi je parle) et tous les monstres à l'écran. Et puis la scène finale est juste orgasmique. Comme pour Le Labyrinthe de Pan, del Toro a appris à mêler adroitement toutes ses thématiques et obsessions à son propos. Pas un chef-d'oeuvre (en raison d'une première demi-heure légèrement moins bonne...) mais un putain de film de ouf de sa mère.

Et Del Toro va réaliser Bilbo le Hobbit. Si ça c'est pas merveilleux.

Edit : Un livre devrait sortir sous le titre : "los secretos de Guillermo del Toro".

TOP (crétin)

2009-04-17T14:05:00.011+02:00

Entertainment Weekly nous a fait il y a plusieurs semaines son petit TOP réalisateurs encore en activité... Notez bien quelques abérrations. En rouge les réalisateurs qui n'ont rien à foutre là, en bleu les bons réals mais pas assez géniaux, en vert, ceux que j'ai ajoutés... Sans oublier l'ordre des réalisateurs... (Snyder devant Eastwood ? What the fuck ?!!)
En orange, ceux que je ne connais pas assez pour juger.

1. Steven Spielberg
2. Peter Jackson
3. Martin Scorsese
4. Christopher Nolan
5. Steven Soderbergh
6. Ridley Scott
7. Quentin Tarantino
8. Michael Mann
9. James Cameron
10. Joel and Ethan Coen
11. Guillermo del Toro
12. David Fincher
13. Tim Burton (à débattre)
14. Judd Apatow
15. Sam Raimi
16. Zack Snyder
17. Darren Aronofsky
18. Danny Boyle
19. Clint Eastwood
20. Ron Howard
21. Ang Lee
22. Paul Thomas Anderson
23. Paul Greengrass
24. Pedro Almodóvar
25. Jon Favreau
26. Woody Allen
27. Brad Bird
28. David Cronenberg
29. Sofia Coppola
30. Bryan Singer
31. Sam Mendes
32. Mel Gibson
33. The Wachowski Brothers
34. J.J. Abrams (WTF ! Le mec n'a réalisé que deux films !)
35. Alfonso Cuaron
36. Hayao Miyazaki
37. Mike Leigh
38. Oliver Stone
39. Roman Polanski
40. Spike Jonze
41. Richard Linklater
42. Spike Lee
43. David Lynch
44. Wong Kar-Wai
45. Wes Anderson
46. Mira Nair
47. Andrew Stanton
48. Michael Moore
49. Mary Harron
50. Sidney Lumet
Terrence Malick.
Tsui Hark.
John Woo (putain mais il n'a pas fait que MI 2 !)

A la vue d'un top comme ça, on a de quoi se tirer les cheveux.
Snyder dans les 20 premiers. WTF...

Source
http://filmgeek.fr/2009/02/20/top-50-des-realisateurs-selon-ew/

RAPIDO

2009-04-16T12:35:00.009+02:00

La fiancée de Chucky

Malgré deux ou trois personnages et situations ratées (défauts qu'on retrouvera en plus grande quantité dans le foiré Freddy vs Jason), Bride of Chucky est toujours aussi fun, généreux et honnête. Et puis les petites références disséminées ici et là font graves plaisir !
"Fine ! Kill me ! I'll be back ! I always come back ! But dying is such a bitch !"

Massacre à la tronçonneuse (Hooper)

Re-baffe dans la gueule.Même si j'apprécie énormément le remake, cela n'a rien à voir avec le choc monstrueux de l'original. Déviant, flippant, et j'en passe.. La première apparition de Leatherface est hallucinante. Par contre juste un petite chose, Hooper n'aime pas ce film. Il voulait réaliser une comédie (on peut voir d'ailleurs une ou deux tentatives d'humour déviant) et a déchanté quand il a vu les réactions opposées à ce qu'il attendait. Après vous allez me parler d'un cinéaste génial

Nausicaä de la vallée du vent

Enorme malgré deux trois trucs confus dans le scénario. Mais c'est beau, lyrique et poétique. Miyazaki est décidemment très grand

TEXAS CHAINSAW MASSACRE

2009-04-15T20:26:00.006+02:00

Ne jamais regarder Massacre à la Tronçonneuse (l'original) seul tard le soir.

brrrr

LA MANGA C'EST UN TRUC 2 FOU

2009-04-11T14:27:00.003+02:00

Je ne sais pas si je dois rire ou pleurer.

DBE - Rapido

2009-04-06T16:21:00.003+02:00

Donner une note à Dragonball Régr.. euh pardon Evolution, ça serait comme noter Turkish Star Wars ou White Fire. Le spectacle est tellement involontairement nanar (ou pas..) et drôle qu'on ne peut pas souffrir à la vision du métrage, que l'on soit fan ou pas. En effet, James Wong empile tellement de scènes stupides et ridicules, que ça ne m'étonnerait pas que nanarland puisse un jour faire un article sur le film : Jamie Chung et ses fraises (on dirait une pub pour yaourts), Goku et le gel à cheveux, Ernie Hudson qui se la joue Oncle Ben's avec des sourcils blancs épais et une jarre (de riz ?), la construction d'un pont à base de cadavres (Michael Bay n'aurait pas fait mieux) et surtout l'incroyable moment fort : l'appel de Shenron avec un "Dragoooooooooooooon" ultime que n'aurait pas renié le Dark Vador de La revanche des Siths. Les acteurs sont tous plus navrants les uns que les autres et seul la plastique de Jamie Chung nous ravira. On passe ainsi 1h20 à se bidonner à la vue d'un spectacle navrant mais parfait pour une soirée bières entre potes.

AEON FLUX - RAPIDO

2009-04-03T09:17:00.005+02:00

Dans Aeon Flux, Charlize Theron se bat contre de l'herbe, fait des regards darks et enfonce ses doigts dans son dos.
Et ya des gens qu'on des mains à la place des pieds.

C'est super Aeon Flux.

Verdict : 2/10

BIG FISH - RAPIDO

2009-03-29T09:39:00.007+02:00

BIG FISH

Tim Burton a grosso-modo deux carrières : la première de Beetlejuice à Sleepy Hollow où l'Homme s'échinait à écorcher la normalité et l'American Way of Life et porter aux nues la différence. Il s'agit également d'une période sans réelle reconnaissance critique ("Batman tu voiiiiis") mais où Burton a acquis une solide fan base. La seconde débute avec ce Big Fish (on passe sous silence La Planète des Singes... on dira poliment qu'il est hors-sujet) où d'un coup Burton devient l'idole des midinettes pseudo-gothico-pouet pouet et d'une critique qui l'avait ignoré. Sauf que voilà durant cette période, Tim Burton change totalement, se met à dos sa fan base et renie ses fondements principaux pour entrer dans une phase limite réactionnaire. Je fais partie des amateurs de la première période.

Une petite comparaison entre Big Fish et les autres métrages de Burton, qui parlera plus qu'un gros texte :
Dans Edward aux mains d'Argent, Burton bousille l'American Way of Life, ses quartiers aux maisons identiques, la recherche de la beauté, les pelouses bien tondues etc. Dans Big Fish, la finalité de Ed Bloom est de rechercher une maison dans un quartier propre, avec une barrière bien droite et toute blanche.

Dans Beetlejuice, Batman et Edward, Burton aime les freaks ! Il leur dit de cultiver leurs différences et de remuer une société réactionnaire. Dans Big Fish, Ed Bloom aime les freaks mais on se rend compte que cela vient de son égoïsme et que de toute façon un freak est à remettre dans le droit chemin (la maison de la "sorcière") où à fouttre dans un cirque. Putain Tim !

Et on peut continuer comme ça longtemps :
- Ed Wood qui part à la guerre défendre son pays. Les fans diront qu'il essaye de se sortie de la guerre pour rejoindre sa femme. Oui mais déteste-il vraiment ce conflit ? Non parce que durant un conflit c'est bien connu, les soldats apprennent la langue du pays en guerre et se lient d'amitié avec la population. Et les soldats adverses se ressemblent tous. Heureusement qu'il y a l'American way of life.
- et que dire du héros bien propre sur lui, normal, bien coiffé, friqué (normal, c'est le mode de vie américain) ?

En bref un hymne à la normalité, aux maisons soignées, aux cheveux bien peignés etc
Beurk.

Verdict : 3/10

LE SEXE, C'EST MAAAAAAAL

2009-03-24T21:03:00.007+01:00

Aujourd'hui en module "Ethique et société", débat sur la pornographie. Est-ce éthique ou pas ? Je me positionne dans le groupe en faveur du porno (liberté d'expression, toussaaaa). Le débat avance bien. Les participants d'en face sont intelligents et pertinents. Sauf un. A un moment je balance : "Ce sont nos principes Judéo-Chrétiens (sous-entendu : de merdre) qui ont voulu balayer le plaisir de l'acte sexuel en y voyant que de la procréation".

Murmures dans la salle.
Un mec (LE mec) a répondu :
"Ces principes judéo-chrétiens sont notre culture. On ne peut pas les renier. Et regarde en Afrique, on pratique l'inceste car il n'y a pas cette culture"

Alors là j'ai explosé de fureur (intérieurement). C'est quoi cette mentalité ?
J'ai lancé : "Donc d'après toi, sans de principes cathos on en serait réduits tous à l'inceste ?"
Murmures dans la salle.

En Afrique, ils pratiquent tous l'inceste.
Sauf ceux qui croient en Dieu.
C'est vrai quoi, les mormons ne pratiquent pas du tout l'inceste.

En parlant de Mormons, je dois vous parler de la bouse du mois, j'ai nommé Twilight.
C'est quoi cette merde le nouveau phénomène façon Roméo & Juliette ?

Dans Twilight, la femme est passive et ne prend jamais de décisions.
Dans Twilight le film (dans le roman ça doit être pareil) le mythe subversif du vampire est relégué au rang d'icône djeunz friqué qui brille au soleil.
Dans Twilight, le sexe c'est le mal.
Dans Twilight, les Hommes ne pensent qu'au sexe. Du coup, les Hommes, c'est le mal. Sauf Edward machin, parce qu'il a su aimer sans penser au sexe.
Dans Twilight, les jeunes ne pensent qu'au bal de promo, qui est la finalité de leur existence.
Dans Twilight, on voit les bad guys les plus pourris du cinéma.
Dans Twilight, les vampires jouent au baseball et font des poses ringardes avec des effets pourris.
Dans Twilight les vampires sont végétariens.
Et dans Twilight, les vampires sont torturés et lancent des regards darks t'as vu.

MIDNIGHT MEAT TRAIN

2009-03-23T23:04:00.003+01:00

J'ai pu entendre pas mal de choses sur "MMT", quelques mauvaises, mais énormément de bonnes, notamment de ce bon vieux Mad Movies dont la qualité semble péricliter au fur et à mesure des mois depuis l'arrivée de Fasulo à la tête. Mais ceci est un autre débat. Je ne serai pas aussi dithyrambique (j'ai mis 3 plombes à trouver la bonne orthographe) que Mad Movies (pléonasme), MMT étant en fait une oeuvre sympathique mais un peu bancale.

En effet, MMT se révèle être un film sympatoche et pas foncièrement raté. On y suite sans déplaisir l'enquête de Léon (Bradley Cooper, croisement étrange entre Tchéky Karyo et Ben Stiller...) qui se demande si étrangement il n'y a pas des trucs étranges un peu bizarres dans le métro... Il tombera sur un boucher qui ne lui veut pas du bien.
Et Kitamura d'entrer dans le vif du sujet : ça charcle à tous les coins de rue et le boucher (Vinnie Jones, caricatural mais efficace) trucide tout ce qui bouge. Les amateurs de gore seront au ange, surtout avec un caméo d'un certain Ted Raimi.

De plus le scénario est un peu plus intéressant que la moyenne : les personnages principaux ne sont pas exempts de défauts (le héros est même tellement égoïste qu'il pense d'abord à son expo photo avant de sauver une demoiselle en détresse...) et on croit sincèrement au couple Léon/Maya.

Mais Barker n'aurait jamais du engager Kitamura. Certes celui-ci fait preuve d'une énergie débordante mais il gâche le scénario par du gore CGI-esque horripilant et qui n'a rien à faire là et par des mouvements de caméra, certes ingénieux et impressionants, mais totalement vains et vides de sens. Sa réalisation faisait merveille dans Versus, mais pour un sujet pareil, signé Clive Barker, il aurait été préférable d'avoir une réalisation plus sobre et moins extravagante.

Mais ne boudons pas notre plaisir. MMT est un vrai film de samedi soir (ou de jeudi soir pour les nostalgiques de Jeudi Fantastique sur M6) à savourer entre potes, bière(s) à la main.

Sur ce je vous conseille surtout de lire la nouvelle originale.

NB : un petit bémol également sur toute la tension sexuelle entre le boucher et Léon, présente dans la nouvelle, évacuée ici...

Verdict : 7/10